Rock Type

"Il ghioro e il frescaccino" - Lucio Mazzi e Dino Buffagni (Cicogna editore)

2011-05-23T06:27:00.003+02:00

Occupiamo abusivamente lo spazio di Lucio perchè Lucio non vuole (giustamente) parlare del suo ultimo libro. E quindi di noi.
Siamo il faffone e il sardiglio. Due dei personaggi del libro. Eccoci qui sotto.

I libro è uscito una settimana fa e sta andando anche bene, però Lucio dice che non è carino sia lui a dire quanto è bello...

Beh, il libro è bello. Scritto per i ragazzi, sta facendo letteralmente impazzire gli adulti. E non solo perchè ci siamo noi (e l'agrivilla, il chirbiolo, la rimma fizzosa e naturalmente il ghioro e pure il frescaccino che è quello che ha avuto l'onore della copertina, chissà mai perchè, ma di questo stiamo parlando con la nostra associazione di categoria), ma perchè la storia che ci mette insieme è veramente bella. Fa ridere e commuove, è leggera e fa pensare (per questo piace agli adulti).
A proposito, ecco la copertina.

Dunque, c'è questo vecchio professore che insegna a due ragazzini ad amare la poesia, prima con filastrocche facili (dove ci siamo noi, e il ramarro, e la figlia del pascià e il cane di Militello...) e poi con poesie sempre più belle... e loro imparano ad amarla, finchè...

E poi ci sono i disegni di Dino.
Beh, non fosse stato per Dino noi non saremmo qui. Ci piace come ci ha disegnati.
Dino è bravo. Un bel po'...

E lui ci ha fatto anche un bel sito: http://www.ilghioroeilfrescaccino.com/. Andateci subitro: ci troverete tutti là!
Oltre che, naturalmente, in libreria!
Ciao a tutti!
Faffone e Sardiglio

La patria della luce - Claudio Gargano - 2011

2011-04-17T09:51:00.001+02:00

Come chi segue qusto blog zoppicante sa, stimolato dalla richiesta di una conferenza su questo argomento, da qualche tempo mi sto interessando del connubio tra rock e religione (qualsiasi religione). Combinazione, in questi giorni Odoya pubblica questo libro, il cui sottotitolo è "Il rock e l'Oriente tra i Sessanta e i Settanta".

Benissimo, perchè, pur essendo questo un argomento cruciale nella storia del rock, non era quasi mai stato preso in considerazione e approfondito come dovuto.

Il libro si occupa, evidentemente, del connubiuo tra rock e influenze orientali, e lo fa osservando la produzione musicale di una quarantina di gruppi e musicisti. Ho detto "produzione musicale", lo preciso perchè qui viene esaminata la vicenda personale dei musicisti stessi (la loro eventuale conversione, il loro percorso spirituale) solo per lo stretto indispensabile, mentre la massima attenzione viene posta in album e canzoni. E' una scelta legittima, per niente discutibile. Tanto più che l'analisi è precisa, puntigliosa e centrata. E, quel che aggiunge valore al lavoro, non si limita ai casi più noti ed eclatanti (Beatles, Donovan, Santana...), ma va a pescare quelli meno conosciuti di musicisti ben poco noti al grande pubblico che così ha la rara opportunità della scoperta.

Molto bene, quindi. Libro essenziale per chi si interessa all'argomento e che rende ancora più necessario, un volume che estenda la ricerca sull'argomento alle vicende personali dei musicisti ("necessarie" alla comprensione degli episodi muscali) che, non limiti l'analisi di tutto ciò ai soli cruciali anni '60-'70 ma che partendo dallo spiritual, passi per il soul, tocchi Dylan e Springsteen e arrivi, che so, all'ultimo di Skunk Anansie...

PFM - Amico Faber - 2011

2011-04-16T12:56:00.001+02:00

Ricco cofanetto con 2 CD e un DVD dedicati alle canzoni di De Andrè.
A parte il fatto che gran parte di esse tanto vale riascoltarle nei due IMPERDIBILI live con Faber stesso già recensiti qui sopra, il cd più interessante sembra essere quello dedicato alla riproposizione de "La buona novella", progetto che la PRemiata porta in giro già da tempo. Mica tanto esaltante, comunque.
Insomma, la perizia tecnica è come sempre altissima, ma ci chiediamo se proprio non esista alternativa al rimasticare il vecchio leggendario prog, che trasformarsi in cover band...
Ci deve pur essere una "terza via"...

Un Magnificat, le regole, l’ottusità

2011-04-02T10:01:00.002+02:00

Cercando un video dell’immensa “Magnificat” scritta da Marco Frisina e cantata da Mina nell’album “Dalla terra”, mi sono imbattuto in una lunga diatriba (su Youtube), ben riassunta dall’intervento di tale Jofruph.

Ma è oggettivo che Frisina scrive malissimo, molte sue melodie zoppicano e le armonizzazioni sembrano opera di un dilettante autodidatta anziché di un diplomato in composizione. Poi può piacere, ma esistono regole di scrittura musicale che hanno una precisa ragion d'essere, come le regole grammaticali o di punteggiatura.

La cosa – lo dico anche da docente di conservatorio - mi ha fatto prima rabbrividire, poi mi ha intristito, perché sintomatica di una mentalità che, ancora oggi, riconosco impossibile da scalzare. Quella legata alle “regole”, regole che in ambito artistico sono un assurdo, una contraddizione in termini.

La musica (ma il discorso vale per qualsiasi espressione artistica) non va “fruita” con un manuale di armonia in mano: va ascoltata con le orecchie e sentita col cuore, dire che un certo brano è scritto senza seguire le “regole di scrittura musicale che hanno una precisa ragion d'essere” è come bocciare Picasso perché ignorava le “regole” della prospettiva o delle proporzioni… ridicolo.

Peraltro se tutti avessero seguito le regole faremmo e ascolteremmo ancora musica come la faceva Perotino. Grazie a Dio, nei secoli sono esistiti tanti artisti (e per questo erano artisti) che delle regole se ne sono sempre fregati. Onore a loro!

Nella fattispecie, trovo che il brano in questione sia uno degli esempi più alti di spiritualità nella popular music. È un’opinione personale (ma condivisa da molti, vedo). A me questo brano emoziona: questo basta. E questo, nel migliore dei mondi possibili, dovrebbe bastare a chiunque.

E adesso andatevelo a sentire

Fede e spiritualità nel rock (e non solo)

2011-04-01T09:38:00.003+02:00

Una settimana fa, raggiungendomi per vie traverse, il parroco di Castelfranco Emilia (MO), don Fabio Quartieri, mi ha chiesto di tenere un incontro con i ragazzi della sua parrocchia sul tema "fede e spiritualità nella musica rock". Fantastico.

Per un sacco di motivi.

Tanto per cominciare verso il rock c'è sempre stato un pregiudizio enorme da parte della Chiesa che l'ha visto sempre come "strumento del demonio". Il fatto che un parroco invece cerchi di capire (e far capire alla propria comunità) se questo sia vero o no è indice di grandissima apertura mentale.

Un altro motivo è che non solo la Chiesa, ma il mondo culturale in genere si nutre di simili pregiudizi. Per dire: incaricato della faccenda, sono andato a spulciare sulla mia libreria e tra 2-3 mila di libri che si occupano di popular music ne ho trovati ben 3 dedicati al rock satanico, a Satana nel rock, ecc. nessuno su fede e religione (qualsiasi religione) nel rock.

Curioso.

Come se il rock non avesse conosciuto conversioni clamorose (da Little Richard, a Dylan, a Santana, a Cat Stevens), come se certa popular music non esistesse proprio in funzione di tematiche religiose, e non si pensi solo al christian rock nelle sue più disparate declinazioni, dalla canzone all'heavy metal: pensate allo spiritual, al gospel, al reggae, a tanto soul.

Ma tant'è: proponete a religioso (di qualsiasi confessione) o laico il binomio "rock e fede" e vedrete espressioni dubbiose, teste che si scuotono, scetticismo. Che sciocchezza, che ignoranza.

Tuttavia una cosa molto bella: approfondendo tante cose che ricordavo ma che dovevano essere messe a fuoco, mi sono imbattuto in un blog bellissimo sull'argomento: si intitola L'Arena dei Rumori ed è tenuto da un altro religioso dalla mente incredibilmente aperta. P. Massimo Granieri. Padre Max ne sa tantissimo di rock, basta scorrere i suoi post ricchi di riferimenti incrociati, di rimandi, di relazioni, ed è abbastanza aperto di vedute da voler scardinare con i fatti e con i pensieri i pregiudizi di cui sopra. Onore a lui

Ma insomma, domenica 3 aprile terrò questo incontro (ore 21 alla Parrocchia di Padulle di Sala Bolognese, se passate di lì), racconterò cose, farò ascoltare canzoni e vedere video, andando dallo spiritual (appunto) all'ultimo album di Skunk Anansie. Spero di non annoiare, ma su questo argomento, anche qui sopra, torneremo.

Led Zeppelin - Lucio Mazzi - GoodMood 2010

2010-11-01T14:23:00.002+01:00

Questa non è una recensione. In effetti non s'è mai visto un autore recensire un proprio libro...

Però vale la pena di spiegare un paio di cose.
Tanto per cominciare questo libro non si legge ma si ascolta: è un audiolibro, perfetto che vuole ascoltare facendo altre cose (guidare, mangiare, fare le pulizie, tromb... vabbè avete capito). Io l'ho scritto, Nino Carollo l'ha letto, voi lo scaricate dal sito http://www.goodmood.it/libri-in-auto/led_zeppelin_bio_rock (ma anche da iTunes o da altri siti che vendono audiolibri) e lo ascoltate. Funziona così.

Poi, si tratta di una biografia. banale, direte. Tuttavia, ora, su certi gruppi storici, è - paradossalmente - sempre più difficile trovarte delle pure e semplici biografie. Trovate libri su un certo album, sui loro concerti, su aspetti particolari della loro vicenda, raccolte di testi commentati o no, ma se uno vuole semplicemente sapere "chi sono e cosa hanno fatto", ha sicuramente delle difficoltà. Questo libro (e quelli che seguiranno: tra poco U2, e poi Pink Floyd, e poi Rolling Stones...) vuole semplicemente raccontare "vita storia e miracoli", a chi della band in questione vuole sapere "vita storia e miracoli".

Come ho lavorato per questo libro? Mi sono basato sulle poche biografie esistenti (e datate), soprattutto inglesi, e ho ricostruito il mosaico delle tante vicende, spesso anche in contraddizione, che ho trovato.Dopo di chè ho iniziato a spulciare la mia collezione di riviste degli anni '70 e ho vagliato il tutto attraverso interviste, reportage e recensioni dell'epoca.

Si parte dalla nascita di Jimmy, Robert, John e John Paul, si arriva a quando nascono i Led Zep, si ripercorre la loro vicenda dagli inizi ai trionfi, e ci si ferma al momento della loro apparizione al Live Aid. Dopo, i Led Zeppelin non sono semplicemente più esistiti, anche se sarebbe proseguita, ad esempio, la vicenda artistica di Plant e Page. Ma questa è un'alltra storia.

Siamo chiari: qui non c'è niente di nuovo chè degli Zeppelin, come di altre celeberrime band, ormai si è detto e scritto tutto, ma certo si è fatta giustizia di tante sciocchezze circolate negli anni e, soprattutto, si è cercato di costruire ciò che veramente è succcesso, ad uso e consumo di chi oggi voglia semplicemente saperlo e che di Wikipedia non si accontenta.

Buona lettura!

Lucio Mazzi

POOH - Parsifal - 1973

2010-10-08T10:49:00.000+02:00

Mario Goretti, Valerio Negrini, Gilberto Faggioli, Bob Gilliot, Mauro Bertoli… Chi sono costoro? Perbacco, ma sono i Pooh! La prima formazione dei Pooh, quella datata 1965 che rappresentava l'evoluzione "professionale" di un gruppo che da anni "batteva" le balere del bolognese: i Jaguar.

Niente a che vedere con gli attuali Dody, Roby e Red, che, uno alla volta (con il recente transfuga Stefano) sarebbero arrivati negli anni successivi, ma Valerio Negrini, uno dei maggiori parolieri italiani di sempre, che all'inizio sedeva dietro i tamburi e oggi si occupa dei testi, rappresenta la continuità durante questi quasi 40 anni di vita del gruppo più longevo d'Italia.

Comunque già nel 1971, a firmare i due primi grandi successi della band ("Tanta voglia di lei" e "Pensiero") è la formazione quasi definitiva: c'è ancora Negrini alla batteria e Riccardo Fogli al basso, ma Roby e Dody sono già al loro posto. Nel 1973, con "Parsifal", finalmente Canzian è al posto di Fogli e D'Orazio al posto di Negrini. Ci siamo.

Si può quindi considerare "Parsifal" il primo album dei Pooh dell'"era moderna", ma il suo valore non risiede, ovviamente in questo. Il periodo musicale era quello del rock sinfonico, spartiti dilatati, lunghe parti strumentali, sontuose orchestrazioni…

I Pooh l'orchestra l'avevano sempre usata, ma quello che arrivava soprattutto dall'Inghilterra era qualcosa che non avevano mai fatto e che per questo li incuriosiva: passavano ore ad ascoltare "Supper's ready" dei Genesis e pensavano che quella era una faccenda che avrebbero proprio voluto provare.

I 12 minuti che danno il titolo all'album nacquero a pezzi. Un paio d'anni prima, a Facchinetti era stato chiesta una colonna sonora per un film di Lattuada "Questa specie d'amore", poi non se n'era fatto niente, ma le musiche erano rimaste: divennero la parte centrale del brano cui venne unito un tema già presente nell'album "Contrasto" del '69.

Per la prima parte Fachinetti compose un tema di sapore "chopiniano" su cui Negrini scrisse un testo ispirato alla leggenda del Sacro Graal. Il resto lo fecero le chitarre di Battaglia con un paio di assoli da abbecedario per aspiranti chitarristi.

Alla fine il brano funzionò maledettamente bene: era in linea con la produzione musicale più "evoluta", ma aveva un'accessibilità che lo rendeva fruibile al grosso pubblico. Un buon compromesso.

Certo non impressionò più di tanto i fans dei Genesis o della PFM, ma sicuramente portò molti che ascoltavano solo canzonette ad un rock più evoluto.

Nell'album poi non c'era solo "Parsifal", un buon riscontro di classifica ebbero canzoni più tradizionali (ancorché di ottimo livello) come "Io e te per altri giorni" e "Inifiniti noi" registrate con un'orchestra di 60 elementi. Anche se fu la vicenda del cavaliere senza macchia e senza paura che finì per restare nella storia musicale dei quattro che lo riproposero in concerto fino a non poterne più e finendo per ribattezzarlo "Par di pal"…
Voto 8
Lucio Mazzi

Banco del Mutuo Soccorso - live a Crespellano 25/9/2010

2010-09-26T15:58:00.002+02:00

Ho assistito per la prima volta a un concerto del Banco esattamente 37 anni fa. Ero più giovane io, erano più giovani tutti gli spettatori al concerto di sabato sera, erano più giovani loro: quelli del Banco. Nessuno però sembrava più vecchio.

Buona parte della platea, probabilmente, tornava a un concerto dopo anni e anni, improvvisamente ringiovanendo. I "ragazzi" del Banco, sul palco, in nessun momento hanno denuciato l'età. Incredibili.

Pur dovendo all'ultimo momento rinunciare a Rodolfo Maltese (cosa che probabilmente ha imposto modifiche alla scaletta), la band ha regalato a una piazza stracolma un'ora e mezzo di altissimo livello, esplorando quasi per intero "Darwin", con qualche puntata nel primo album ("Metamorfosi", "R.I.P.", "Traccia"), l'unica "Non mi rompete" (presentata come bis) da "Io sono nato libero e "Il ragno" da "Come in un'ultima cena". Null'altro da altri album.

Puntualissimo Calderoni, funambolico Nocenzi, e questo si sapeva, ma quello che ha impressionato veramente è stato Francesco Di Giacomo la cui voce nulla ha perso in smalto, con gli anni, ma anzi ha trovato sfumature e accenti drammatici che ne hanno arricchito moltissimo le capacità espressive. Esemplare in questo senso una fantastica "750.000 anni fa l'amore".

Ma detto dei membri "storici", varrà la pena di spendere qualche parole sui musicisti che oggi li affiancano. Puntualissimo e inventivo Tiziano Amici al basso (ma non entusiasmanti i suoni), efficace senza mai strafare il chitarrista Filippo Marchegiani e prezioso con i suoi contrappunti Alessandro Papotto ai sax e al clarino. Tutti perfettamente calati, comunque, nelle atmosfere particolarissime della band.

Un concerto d'altri tempi, alla fine, per una proposta musicale assolutamente fuori dai canoni commerciali di oggi (chi mai oggi potrebbe ascoltare e godere di complicatissimi brani 12 minuti?) che, come usava "una volta", ha dato il giusto spazio al virtuosismo, all'inventiva e alla creatività. Tutte cose che oggi non fanno parte della musica usa e getta "da MTV", ma che gli attempati fans del banco volevano esattamente così: l'altra sera come 35 anni fa.

Voto 8

Lucio Mazzi

CAT STEVENS - Saturnight-Live in Tokyo - 1974

2010-09-21T18:29:00.000+02:00

E' davvero impossibile scegliere tra i bellissimi album di Cat Stevens dei primi anni '70. Tra "Mona bona jackon", "Tea for the tillerman", Teaser and firecat", "Catch bull at four" e "Foreigner" è semplicemente impossibile determinare quale sia il migliore: sono tutti piccoli capolavori. E allora, salomonicamente non ne ho scelto alcuno, optando per un semisconosciuto, splendido, live del '74 che di fatto rappresenta una raccolta del meglio della produzione dei primi anni del cantautore.

E che, in più di ogni sterile raccolta, offre il pregio di versioni forse anche migliori di quelle in studio (comunque da avere). Dell'album, uscito in sordina e oggi quasi introvabile (ma la rete è una miniera che raramente delude), di fatto si sa poco, quello però che conta, ciò che a noi interessa, ce lo racconta le canzone in esso contenute.

Ecco dunque la scaletta: "Wild world", "Oh Very Young", "Sitting", "Where do the children play", "Lady d'Arbanville", "Another Saturday Night", "Hard Headed Woman", "Peace Train", "Father and Son", "King of Trees", "A Bad Penny", "Bitterblue". Ce n'è abbastanza per descrivere compiutamente l'universo musicale e artistico di questo strano personaggio che rappresenta (lui nato a Londra da padre greco e madre svedese) uno strano crogiuolo di influenze e culture.

Il Cat Stevens che conosciamo e amiamo è curiosamente compreso tra "altri due" Cat Stevens che col "nostro" hanno poco a che vedere. Il "primo" aveva realizzato due album tra pop e beat tra il '67 e il '68, prima di essere inchiodato due anni in un letto d'ospedale dalla tubercolosi.

Dall'ospedale era uscito il cantore delicato di momenti che sono rimasti nella storia e nel nostro cuore: "Father and son", "Lady d'Arbanville" dedicata alla sue ex, la pittrice Patty Arbanville, "Morning has broken", "Wild world", "Sitting", "Where do the children play"…

Infine dalla fine degli anni '70 eccone apparire un terzo che sonvolgendo milioni di fans, getta alle ortiche nome, identità artistica, diritti sui vecchi dischi e, in definitiva, tutta una vita, per chiamarsi Jusuf Islam, dedicarsi totalmente alla religione musulmana e tornare a far parlare di sé solo in occasione di dichiarazioni di condanna a morte a uno scrittore reo di pensarla diversamente, e di amore al "fratello" Sadam Hussein.

Ovviamente a noi interessa il secondo (e magari il primo, giusto come curiosità). E questo live rappresenta un buon compendio della fase migliore del Cat che amiamo (che nella seconda metà dei '70 avrebbe prodotto album non eccelsi, invero, e in tempi recenti è tornato senza esaltare).

Se si sorvola sulla colpevole mancanza di qualche episodio fondamentale ("Morning has broken", per dire) questo live, pur nella sua breve durata, ci porta Stevens al suo meglio.

Nei nuovi arrangiamenti, più asciutti, più brillanti, le sue canzoni splendono come piccole gemme. Bastano pochi suoni e pochi strumenti per lasciare in primo piano la poesia e la delicatezza di queste canzoni.

Era la direzione su cui Stevens avrebbe dovuto lavorare, invece fin dagli episodi successivi, fece l'errore di soffocare la propria vena con troppi suoni e troppi strumenti. Fino alla svolta religiosa che avrebbe spazzato via anche questo.

Voto 8

Lucio Mazzi

TITO SCHIP JR. - Orfeo 9 - 1970

2010-09-20T08:34:00.001+02:00

A quarant’anni dalla prima assoluta e a due anni all’essere stato, nella sua versione cinematografca, evento conclusivo della 65a Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, "Orfeo 9" viene presentato per la prima volta, in un nuovo allestimento, presso un teatro d'opera. Avverrà il 4, 5 e 7 dicembre 2010 al Comunale di Bologna.

"Orfeo 9"", opera rock composta alla fine egli anni '60 da Tito Schipa Jr, figlio di uno dei più grandi tenori del '900, prende le mosse dal mito di Orfeo, trasportando la vicenda di questo amore infelice in un contesto tipico del periodo in cui il lavoro è stato concepito e realizzato.

Orfeo è un ragazzo che vive in una comune di impronta hippy ai margini di una grande città, e proprio la città, con le sue alienazioni e paranoie appare come l'inferno nel quale il protagonista perde, cerca e riperde definitivamente Euridice.

Su questo impianto di base si innestano spunti e divagazioni che toccano tutte le problematiche al centro dell'attenzione in quell'immediato "post '68": la vita nella comune e il viaggio in autostop come simboli di una libertà giovanile appena conquistata, una strana bomba A (con la A racchiusa in un cerchio a richiamare fin troppo evidentemente il simbolo dell'anarchia) che terrorizza i "benpensanti" in città, le false illusioni dei paradisi artificiali, l'incomunicabilità e l'alienazione della vita cittadina contrapposta alla semplicità e alla comunione della vita in mezzo alla natura, ecc.

Tutto ciò a rappresentare, oggi, il fedele specchio di un'epoca, un "documento" che può dirci moltissimo su cosa fossero quegli anni cruciali e come fossero i giovani che li vivevano.

Ma "Orfeo 9" è innanzi tutto un'opera musicale, un'opera rock, la prima al mondo, precedente anche a "Tommy", di cui non vanno, comunque, trascurati due aspetti fondamentali: quello visivo e quello musicale.

L'opera è nata per il teatro, quindi ne è stata realizzata una versione cinematografica. Quest'ultima è stata trasmessa a suo tempo un paio di volte dalla Rai, nei primi anni '70, prima di finire nel dimenticatoio (colpa anche dell' "inaccettabile" primo piano di una siringa). Lo stesso Schipa sta da tempo cercando di pubblicarne il dvd scontrandosi però con le resistenze di Renato Zero che possiede i diritti dei suoi interventi. Il risultato è che il dvd più volte annunciato non sembra mai uscito (ma attendo eventuali graditissime smentie).

A disposizione di tutti oggi è, oltre all'imperdibile libro sul Making dell'opera edito da Zona Editore, il doppio cd che da trent'anni a questa parte non ha mai smesso di vendere (un record) e che, del lavoro, raccoglie i brani.

Brani (tutti firmati da Schipa, parole e musiche, tranne un paio di collaborazioni) che quasi sempre hanno il pregio di porsi fuori dai generi imperanti tra gli anni '60 e '70, a raggiungere una classicità che li fa accettare ancora oggi, cosa che non si può dire di molta della produzione di quel periodo, fortemente caratterizzata da stili molto decisi e oggi molto… fuori moda.

Tra i cantanti e musicisti impegnati nell'opera, alcuni giovani sconosciuti (allora) che poi avrebbero goduto di grandi carriere: Renato Zero è un allucinato Venditore di felicità, Loredana Bertè fa parte del Coro, il futuro dj Ronnie Jones è un bluesman perso tra i vicoli, Bill Conti (che avrebbe poi avuto fama e soldi con Rocky) cura le orchestrazioni...

Recuperare oggi questo lavoro vuole dire immergersi un'atmosfera desueta (al giorno d'oggi) e sicuramente affascinante, capire un po' di più di un'epoca ricchissima di spunti culturali e sociali e fare la conoscenza con un'opera artistica comunque di grande valore, ingiustamente troppo trascurata.
Voto 8
Lucio Mazzi

MILES DAVIS – In a silent way – 1969

2010-09-16T10:57:00.000+02:00

FLASHBACK
Ho 15 anni, i miei sono già a letto, smanetto con la tv e becco questo trombettista che suona qualcosa di incredibile. Con lui c'è il mio adorato Chick Corea… Un concerto pescato chissà dove e finito in braccio a mamma Rai chissà come. Sono in trance.

La mattina dopo mi precipito nel negozio di dischi di fronte al liceo e racconto alla commessa di questo trombettista con Chick Corea. Lei sorride con l'aria saputa e mi tira fuori “In a silent way”. “É nuovo di trinca!” mi dice “appena uscito”. Mica vero! Il disco è fuori da qualche anno, ma io non lo so, lo compro con le mie sudate 3500 lire e me lo porto a casa.

E come la puntina scivola nel primo solco, inizio a camminare per la strada silenziosa di Miles. E forse non ho ancora smesso.

Allora era stupore per una musica talmente magica da sembrare… impossibile, poi ho capito che non era solo questione di facilità di ascolto, ma di una profondità abissale. Allora mi impressionavano i “nomi” (dai, in questo disco ci sono TUTTI: da Wayne Shorter a Chick, da Herbie Hancock a John McLaughlin, da Zawinul a Dave Holland: per uno venuto su a jazzrock il paradiso), poi ho capito che non era questione solo di nomi, ma di dita, di fiato, di cuori e di cervelli. Ci sarei arrivato dopo mille ascolti, ma ci sarei arrivato.

“In a silent way” è fatto di pochissime note (rispetto al furibondo, accecante caleidoscopio di “Bitches brew” che sarebbe venuto dopo, percorrendo la strada del jazz elettrico, per dire) ma quello che dà profondità ed emozione sono proprio i silenzi, le attese tra una nota e l'altra. Davis, immenso, non ha bisogno di dimostrare niente: non ci regala alcun virtuosismo, se per virtuosismo si intende qualche scala alla velocità della luce, ma un'intensità e un'espressività che è propria solo dei grandi.

E i suoi compagni di viaggio stanno al gioco: stiamo parlando di personaggi che alla fiera del “guarda quanto sono bravo” vincerebbero tutti il primo premio e che invece capiscono perfettamente che su una strada silenziosa (così a me piace tradurre il titolo piuttosto che per il forse più corretto "In modo suilenzioso") si cammina senza far rumore.

É un album di frasi sussurrate, questo, che obbligano l'orecchio a tendersi per comprendere: nessuno urla, in questo disco. Wiliams carezza i piatti con le bacchette, non si appoggia quasi mai sui tamburi, McLaughlin, Corea e Hancock scivolano sulle loro tastiere e devi ascoltare con attenzione per cogliere i loro arpeggi appena accennati, Shorter chiude gli ochi e respira, quieto, nel suo tenore… Davis è uno che ha urlato spesso, prima e dopo, ma qui sceglie di esprimersi sottovoce. Chissà perché. Forse quel giorno (il 18 febbraio 1969) gli andava così. Forse faceva un freddo cane a New York, forse nevicava, chissà…
voto 10
Lucio Mazzi

WOVENHAND - Piazza Verdi - Bologna - 6 luglio 2010

2010-07-15T08:07:00.006+02:00

Se tutti i predicatori fossero come David Eugene Edwards, probabilmente al mondo non esisterebbero atei.

Da quasi vent’anni Edwards porta in giro la parola del Signore, prima con i 16 Horsepower, dal 2002 con la logica prosecuzione Wovenhand, un discorso musicale che spazia tra folk e blues, rock psichedelico e musica medievale, punk e tradizione dei Nativi Americani.

Su tutto si stagliano le sue apocalittiche visioni mistiche, narrate con temibile furia ed evangelico fervore in un costante stato di trance la cui sincerità è impossibile mettere in dubbio. Nel dare voce alla parola di Dio, mai cristiano è stato altrettanto convincente (a parte, forse, Gesù Cristo).

David Eugene Edwards ama l’Italia. Da quando esistono i Wovenhand, ha graziato la nostra terra di circa una decina di visite; il problema era che il suo raggio d’azione sembrava fosse scientemente limitato ai soli dintorni di Ravenna, avendo ambientato da quelle parti almeno il 90% delle sue esibizioni (uniche eccezioni, se la memoria non falla, Milano e Roma – una visita ciascuno).

Questa sera in Piazza Verdi si rompe il confino, e il pubblico è quello delle grandi occasioni: centinaia di fans di tutte le età, famiglie con prole al seguito, una tavolata di vikinghi sicuramente usciti da qualche concerto death metal nordeuropeo (che rimarranno per tutto il tempo assolutamente immobili). C’è pure Vasco Brondi.

Alle 21.45 precise la folla si spalanca come il mar Rosso al passaggio di Mosè, è arrivato David Eugene Edwards; indossa una camicia hawaiana a fiori da oltraggio al pudore, un panama con striscia bianca e piuma bianca da alpino pappone, pantaloni lunghi color nocciola e sandali da studente fuori sede siciliano. Il resto della band (batteria, contrabbasso e slide guitar) veste in nero, perlopiù camicie aperte al quarto bottone, le maniche risvoltate, casual come può esserlo un becchino a un ricevimento informale.

Il concerto è un lungo, ininterrotto stream of consciousness di brani cadenzati, lugubri, ipnotici, l’uno amalgamato nell’altro, quasi senza pause, con Edwards impossessato che rovescia gli occhi, svuota ripetutamente il bicchiere di whisky che qualche solerte sconosciuto a bordopalco provvede puntualmente a riempire, pare voglia scardinare la testa dal collo con scatti improvvisi e violenti. È lo stesso iter di sempre. È un concerto dei Wovenhand.

Musicalmente pare di sentire dei Doors appena tornati dall’oltretomba, col cadavere dissepolto di Morrison che se la ghigna in disparte, occasionalmente punte di Elvis Presley, Danzig, Cramps, Sol Invictus e Joy Division (da qualche parte nel fluviale set parte anche una cover, completamente trasfigurata, di Heart and Soul); oppure, più semplicemente, la trasposizione in musica dei romanzi di Cormac McCarthy, però migliore.

In ogni caso un unicum assolutamente impressionante, funestato soltanto dall’immobilità di un fonico invisibile, incapace di risolvere le beghe di Edwards con una spia che sembra non voler funzionare. L’unica pecca di un rituale che speriamo poter ripetere il prima possibile.

Voto 8

Matteo Cortesi

BEATLES - Let it be - 1970

2010-07-09T15:25:00.001+02:00

La fine dei Beatles, la fine di un decennio, la fine di una filosofia di vita… Let it be, lascia stare, adesso bisogna pensare a cosa fare da grandi…

Ci siamo divertiti un sacco, ma adesso è tempo di mettere la testa a posto. Basta Beatles, basta Love&Peace, basta cazzate. Basta viaggi in India, basta film e cartoni animati, basta vita in comune, basta condividere tutto. Ora, ognuno per se e il dio del rock per tutti.

Quando esce "Let it be", il gruppo più famoso del mondo non esiste più (ufficialmente) da un mese (ma in realtà McCartney e il resto del gruppo erano ai ferri corti da un pezzo).

Sono già usciti gli album solisti di Paul, Ringo e John e i quattro sono separati perfino in copertina.

Tutto l'album ha un po' il sapore di qualcosa che "si doveva fare", perché era proprio impossibile mollare tutto senza neanche un capitolo finale.

Non precisamente un happy end, ma almeno i titoli di coda e la parola fine a questa grande storia, i Beatles lo dovevano.

Probabilmente se la vicenda dei Beatles non fosse finita, queste canzoni (registrate prima di quelle di "Abbey Road" che invece era uscito prima) non sarebbero mai state pubblicate e comunque non in questa veste.

Invece i quattro decisero che comunque si doveva pubblicare un "ultimo disco" così misero in mano al produttore Phil Spector un pugno di canzoni di seconda scelta (rispetto il loro standard) registrate senza averne nessuna voglia in un periodo di noia e di litigi.

Spector, poi, a detta di quasi tutti e di Paul in particolare, riuscì a rovinare con una produzione pomposa e pretenziosa anche quel poco di buono che c'era.

Lui all'epoca era considerato il miglior produttore al mondo, ma il materiale su cui si trovò a lavorare non era eccelso e alla fine probabilmente si fece anche prendere la mano.

John disse: "Gli è stato dato il più merdoso cumulo di merda mal registrato e con un feeling schifoso e ne ha cavato qualcosa", Paul disse: "Il suo lavoro in tutto il disco e in particolare su "The long and winding road" è terribile, e in più rappresenta un'intollerabile interferenza con il mio lavoro". George Martin rimase scandalizzato nel sentire cosa aveva combinato Spector, la stampa parlò di "un EP gonfiato" e di "una lapide di cartone"…

Ma è un disco così orribile "Let it be"? Alla fine probabilmente no.

Forse bisognerebbe ascoltarlo con le orecchie di allora, bisognerebbe ascoltarlo venendo da tutto quello che i Beatles avevano fatto prima, per capire le reazioni del periodo, ma ascoltato oggi, l'album non appare così terribile.

Contiene sicuramente alcuni momenti di alto livello (le due canzoni di Harrison "I me mine" e "For you blue", ma anche "The long and winding road", "Two of us", "Get back" e la stessa "Let it be") e gli episodi non memorabili ("Maggie Mae" e "One after 909" che appartenevano addirittura al periodo Quarrymen, la fiacca "Dig it") non sembrano così spaventosi.

Forse i Betles avrebbero meritato un commiato migliore, ma, chissà, forse un grande album avrebbe reso il dolore dei fans e il loro rimpianto ancora maggiore…

Voto 6,5

Lucio Mazzi

BEATLES - Abbey Road - 1969

2010-07-09T15:17:00.003+02:00

I Beatles erano usciti dalla registrazione dell'“Album Bianco” a pezzi. Ognuno cominciava ad intravedere la fine del progetto comune e l'inizio di interessi personali. Anche se nessuno voleva dire la parola “fine”, tutti l'avevano bene in mente.

Forse erano stanchi l'uno dell'altro, forse l'entusiasmo degli inizi si era esaurito, forse le tante beghe economiche o gestionali avevano finito per minare la fiducia reciproca, forse (come tanti sostengono), anche Yoko Ono ci mise del suo…

Decidendo di realizzare un album finalmente insieme, anzi registrato dal vivo e senza successive rielaborazioni, ognuno di loro forse pensava in realtà ad un disco d'addio.

Perché dal vivo? L'idea era di filmare il gruppo al lavoro, ma i quattro non erano d'accordo su niente e la presenza di Yoko Ono sul set non migliorava certo il clima.

Tra mille difficoltà, le riprese vennero effettuate (da centinaia di ore se ne tirarono fuori 88 minuti) e i brani con molta fatica vennero sì registrati, ma poi, siccome anche su quelle registrazioni nessuno era d'accordo, il tutto fu lasciato a prender polvere sugli scaffali. Disco e film sarebbero usciti, sotto il titolo “Let it be”, un anno dopo.

Ma non era ancora la fine.

Dopo la registrazione di quei pezzi, i Quattro decisero d'accordo con George Martin di registrare un ultimo album prima dello scioglimento che sembrava oramai inevitabile.

Di fatto le canzoni che compongono questo album furono concepite e spesso registrate “in proprio” dai singoli musicisti e qualcuno, non a torto, parlò di quattro album solisti in uno, non dell'album di un gruppo.

Così a George si devono due delle sue più belle canzoni di sempre (“Something”, il pezzo dei Beatles con più cover dopo “Yesterday”, e “Here comes the sun”), a Lennon due canzoni allucinate che avrebbero anticipato il suo percorso successivo come “Come together” e la destabilizzante “"I want you”, McCartney firma, tra l'altro, la bellissima parte finale della suite del lato B :"She came in through the bathroom window" / "Golden slumbers" / “Carry That Weight” e perfino Ringo si congedava dai compagni con un colpo d'ala: l'eccellente “Octopus's Garden”.

Un grande album alla fine. O quattro grandi piccoli album…

Voto 8

Lucio Mazzi

BEATLES - The Beatles - 1968 (White album)

2010-07-01T18:59:00.001+02:00

Il famoso “Album Bianco” dei Beatles è da molti considerato un monumento, un capolavoro al pari di “Sgt Pepper”.

Questo doppio vinile è il frutto di un viaggio in India dei Quattro che se certo non accrebbe di molto la loro profondità spirituale, sicuramente ripulì un po' il loro cervello dall'acido.E in particolare quello di Lennon (che peraltro in compagnia della nuova compagna, Yoko Ono, di lì a poco avrebbe preso a frequentare l'eroina).

Questa pulizia sbloccò la creatività dei musicisti che in poco tempo scrissero oltre trenta brani.

Non tutti di alto livello: a distanza di tempo, si potrebbe anzi dire che forse sarebbe stato meglio realizzare un grande album singolo, piuttosto che un doppio nel quale i buoni momenti convivono con canzoni rinunciabili.

In ogni caso, i Beatles decisero di registrare e di pubblicare tutto. Impacchettandolo in una copertina completamente bianca nell'era dell'esplosione dei colori.

Ma alla fine è il tempo il miglior giudice della grandezza di una canzone (e, nel caso dei Beatles, non è pensabile che un capolavoro rimanesse “nascosto”). Così, se dei 35 brani che compongono l'“Album Bianco” ne sono rimasti nella memoria collettiva solo alcuni (la sciocca “Ob-la-di ob-la-da”, la frizzante “Back in the U.S.S.R.”, la bellissima “While my guitar gently weeps” che segna la maturità compositiva di George, la dolce ballata acustica “Blackbird”), un motivo ci sarà…

Non che tutti gli altri brani siano da ignorare: in molti furono profusi grandissimi sforzi in fase di realizzazione (“Revolution 1” e “Revolution 9”, originariamente un brano unico, "Happiness is a warm gun"), altri avevano “importanze” che travalicavano lo stretto ambito musicale (“Don't pass me by” era la prima canzone di Ringo, “Glass onion” diceva di tutta l'acredine covata da Lennon esattamente come “Piggies” raccontava dell'astio di George, "Happiness is a warm gun" fu di fatto l'unica canzone del disco cui lavorarono attivamente tutti e quattro i musicisti assieme).

Tuttavia molte altre canzoni altri rappresentano tentativi miseramente falliti (lo pseudo heavy metal fracassone di “Helter skelter”), e altre (“Rocky raccon”, “Wild honey pie” “The continuing story…”, Honey pie”) erano solo riempitivi usa-e-getta. Insomma un album frammentario e sconnesso che quasi mai aveva visto tutti e quattro lavorare insieme e di cui la celebre “Hey Jude”, uscita invece solo come singolo, avrebbe certo rialzato le sorti.

Voto 6,5

Lucio Mazzi

DIAFRAMMA - giardini di via Filippo Re - Bologna - 25 giugno 2010

2010-06-29T14:47:00.001+02:00

I Diaframma come i Nomadi: ai loro concerti trovi gente che se li è visti decine di volte, che quelle volte potrebbe elencartele con fervore mistico e ricordarle con precisione filologica, adulti con moglie e figli al seguito gomito a gomito, nelle prime file, con ragazzini che magari il gruppo l’hanno scoperto scaricando a caso dai torrent qualcuno degli ultimi, fiacchissimi dischi.

Comunque vada, da più di un paio di decenni a questa parte, a un concerto dei Diaframma il pubblico non manca mai; questa sera poi, sarà anche perché l’ingresso è gratuito, l’accogliente corte dei giardini di via Filippo Re letteralmente straripa di fans esagitati di tutte le età, pronti ad assieparsi davanti alle transenne come tredicenni in fregola al prino concerto dei Take That non appena l’inossidabile Federico Fiumani (mente unica nonché lider maximo da sempre dietro alla formazione fiorentina) compare sul palco sistemandosi da solo le pedaliere e la chitarra.

Nel corso degli anni ho visto suonare i Diaframma almeno tredici volte (onestamente ho perso il conto), ho seguito Fiumani (e il suo ciuffo, progressivamente sempre più grigio) in lungo e in largo tra improbabili sagre di paese, locali blasonati e autentiche bettole di infima categoria, e mai avrei pensato di potermi emozionare ancora a un loro concerto come la prima volta che ho appoggiato la puntina sui solchi di “Siberia”.

Ma quando tutto è pronto e Fiumani attacca, proprio con il riff portante di Siberia, mi rendo conto che ha perfettamente ragione la mia amica Roberta (che i Diaframma se li è visti “solo” tre volte e ora sta davanti a me a cantare a perdifiato, in estasi come di fronte a un idolo d’oro): ogni volta con i Diaframma è come la prima volta.

E nonostante quelle canzoni mi abbiano tenuto compagnia per una porzione più che considerevole della mia vita, ascoltare Siberia, Gennaio, L’odore delle rose, Adoro guardarti, Diamante grezzo, è qualcosa di sempre nuovo e ancora in grado di procurare lacerazioni profonde.

Peccato che poi l’incantesimo si spezzi inesorabilmente quando, dopo una gragnuola di amarcord ad altissima intensità come quella sopracitata, Fiumani tiri fuori a tradimento Mi sento un mostro, traccia che chiudeva l’album “Camminando sul lato selvaggio” del 2007, le cui prime strofe recitano (cito testualmente): “Ti infilo quattro dita nel culo/ Le tiro fuori piene di merda/ Del resto, cosa mi aspettavo?/ Del resto, che cos’è che cercavo?”.

Non occorre essere damerini laureati ad Harvard per accorgersi che tra questa e un pezzo a caso degli album, diciamo, fino a “Il Ritorno dei Desideri”, ne è passata di acqua sotto i ponti…

Ancora qualcosa del nuovo e paccianesco repertorio poi si torna a piangere con, una dietro l’altra, Labbra blu, Verde, Elena, Caldo, Tre volte lacrime: una tripletta da stendere i bisonti. Poi di nuovo robetta dagli ultimi dischi (soprattutto dall’ultimo “Difficile Da Trovare”), fino alla chiusura con Blu petrolio e Oceano come bis.

Hanno suonato cinquanta minuti e, finchè è durata, mi hanno rimescolato le viscere come dentro a un pentolone; molte canzoni mancavano all’appello, ma per questo ci sarà sempre il prossimo concerto.

voto 7

Matteo Cortesi

RICOLOOP - Giardino Salvatore Pincherle - Bologna - 18 giugno 2010

2010-06-23T14:38:00.007+02:00

Diamo il benvenuto a una nuova firma del blog: Matteo Cortesi

Ricoloop è un genio, ma di quelli che è più facile trovare a esibirsi agli angoli delle strade piuttosto che dentro un locale o in una sala da concerto.

Come altri suoi “colleghi” più o meno illustri del passato (su tutti l’eroico barbone cieco Moondog), la sua visione della musica e delle cose del mondo è del tutto personale, autosufficiente e rigorosamente autarchica; come Moondog utilizzava esclusivamente strumenti autocostruiti, così Ricoloop si serve, per le proprie performance, al 95% del proprio corpo e del proprio fiato.

Il restante 5% è occupato da una chitarra, un basso, una (scassatissima) diamonica e un paio di pianole rudimentali, in ogni caso tutta roba suonata per pochi secondi e con l’unico scopo di aggiungere minuscole sfumature a brani già praticamente completati.

Il modus operandi di Ricoloop è semplice: partendo dai princìpi alla base del beatboxing (ovvero la pratica – perfezionata da Bobby McFerrin e particolarmente popolare in ambito hip-hop – che consiste nell’imitare i vari suoni della batteria e di altri strumenti con l’uso della voce), egli sviluppa vere e proprie canzoni dal nulla, registrandosi tramite pedaliera uno “strato” dopo l’altro e mettendo ogni strato – per l’appunto – in loop.

Il risultato finale va oltre ogni ragionevole descrizione, e deve essere visto e udito per poterne comprendere parte della grandezza.

Sopra ogni cosa, a impressionare è la sterminata cultura musicale dell’uomo (nato Rico Wurde nel settembre 1968 a Dresda), capace di spaziare con disarmante nonchalance (e spesso nell’arco della stessa canzone) dalla techno ai raga indiani a qualsiasi tipo di musica etnica da ogni parte del mondo e da ogni latitudine che implichi l’uso della voce (ma nemmeno questo è un elemento necessario, dal momento che Rico è capace di riprodurre alla perfezione una gamma di suoni virtualmente inesauribile).

È la terza volta in tre anni che Ricoloop si esibisce nella piacevole cornice dei giardinetti Pincherle, e ancora una volta colpisce per la sua estrema generosità e vitalità; arriviamo che non sono ancora le otto di sera e lui ha già cominciato, chissà da quanto.

Lo troviamo chino sulla pedaliera a sudare e agitarsi come un ossesso al ritmo di una base incalzante che egli stesso ha appena creato; il tempo è incerto, inizia a cadere qualche goccia di pioggia e il pubblico – al momento tutt’altro che numeroso – si disperde come uno sciame d’api impazzito.

Rico se ne frega, e continua a sfiatarsi e aggiungere strati e a dimenarsi anche se davanti ha non più di quindici persone; smette di piovere e comincia ad arrivare gente ma per Rico è la stessa cosa, si comporterebbe allo stesso modo se ce ne fossero venti o duemila, è nel suo trip e non lo prendi, ed è comunque altrove.

Suda abbondantemente e tra un brano e l’altro sorride come un bambino alla prima comunione e ringrazia il pubblico “per permettergli di essere sé stesso”. Poi la smette anche con i ringraziamenti, è troppo occupato a lasciar defluire parte della musica che porta dentro di sé, i pezzi si susseguono uno dopo l’altro come rosari sgranati dalle mani callose di una vedova siciliana; perdiamo la cognizione del tempo, noi e lui, e quando ci risvegliamo sono le dieci e tre quarti e i buttafuori ci invitano gentilmente a raggiungere l’uscita.
Lui è un gigante.
Voto 8
Matteo Cortesi

BEATLES - Magical mystery tour - 1967

2010-06-22T08:46:00.001+02:00

"Magical mystery tour" è una faccenda strana. É un disco dei Beatles e non lo è…

Era successo che Paul, durante un viaggio in America, entrando in contatto con una comunità hippy, aveva avuto l'idea per un nuovo film. Si era subito messo a scriverne la colonna sonora pur riscuotendo ben poco entusiasmo da parte degli altri.

Alla fine il film (evidente parafrasi di un viaggio lisergico) fu realizzato e trasmesso dalla BBC ma raccolse solo critiche negative anche se gli andrebbe riconosciuto almeno il ruolo di apripista del genere “road movie” inaugurato due anni dopo da “Easy rider”.

La colonna sonora costituita da 6 pezzi uscì in Inghilterra come doppio singolo, ma in America, dove il film non doveva uscire, ai sei brani si unirono i lati A e B dei singoli usciti durante il '67.

Tra i pezzi “nuovi” si segnala la malinconica “The fool on the hill” (forse il brano più “nobile” del disco), l'acida “Blue jay way” (di Harrison) e “I'm the walrus” di un sempre più allucinato Lennon, nobilitata da uno stupefacente arrangiamento di Martin. Accanto a loro i brani che avevano composto quello che oggi è considerato il singolo più bello della storia del pop: “Strawberry fields forever” / “Penny Lane” e poi un altro brano storico, la lennoniana “All you need is love” con il suo lato B “Baby you're a richman”. In particolare la prima, che per il suo messaggio assurse immediatamente a inno, rappresentava bene, seppure in modo del tutto superficiale, quella irripetibile estate di “peace & love”.
Voto 6,5
Lucio Mazzi

BEATLES - Sgt. Pepper... - 1967

2010-06-16T18:22:00.002+02:00

Una volta pubblicato “Revolver”, i Beatles partirono per un massacrante tour in Asia seguito da uno altrettanto insoddisfacente in USA dove furono osteggiati per la famosa frase di Lennon sulla loro popolarità superiore a quella di Gesù Cristo. Ritornati in patria con i nervi a pezzi e avuta l'assicurazione dal loro manager Brian Epstein che non avrebbero mai più messo piede su un palco, tornarono in sala di registrazione per un nuovo album che avrebbe dovuto essere incentrato sulla loro infanzia a Liverpool.

Le due prime strepitose canzoni realizzate (non senza grandi fatiche) furono “Penny Lane” di Paul e “Strawberry fields forever” di John, ma siccome la casa discografica voleva pubblicare un nuovo singolo, i due brani vennero “requisiti” per il 45 giri. Così i due pezzi non poterono entrare nel progettato album liverpooliano e i Beatles dovettero ricominciare tutto da capo.

Ma i Quattro erano in una fase di tale fermento creativo che due giorni dopo aver ultimato “Penny Lane”, erano già in studio a lavorare su “A day in the life”, il capolavoro del loro album capolavoro: “Sergeant Pepper”.

“Sergeant Pepper” è l'album che i beatlesmaniaci sventolano per dimostrare come i Quattro abbiano rivoluzionato il mondo del pop. Hanno ragione.

Non c'è chi non riconosca alle innovazioni contenute in questo disco un punto di rottura evidente con quello che c'era stato prima e, insieme, un nuovo punto di partenza. “Revolver” aveva già dimostrato quanto i Beatles fossero “avanti”, “Sergeant Pepper” disse che in realtà stavano percorrendo addirittura un'altra strada.

Nessuno aveva mai sentito usare l'orchestra in una canzone come in “A day in the life”, nessuno aveva mai sentito coniugare hard rock e banda vaudeville in maniera tanto… naturale, nessuno aveva mai ascoltato tali e tanti effetti sonori al servizio di brani che alla fine risultavano fenomenali proprio per la loro (apparente) semplicità.

E probabilmente non era mai stato pubblicato un album così palesemente creato sotto l'influenza dell'LSD. Anche se altri musicisti erano schiavi della droga, forse più ancora dei Beatles, nessuno era riuscito a portarne gli influssi così… disciplinatamente nella propria produzione artistica.

“Sergeant Pepper” è universalmente considerato il migliore album dei Beatles e uno dei capolavori della storia del rock. E questo, (il ché è tutt'altro che scontato) fu evidente fin da subito.

Alla sua uscita, le radio americane sospesero per giorni la loro programmazione musicale per trasmettere solo quelle canzoni e il Times lo definì “un momento determinante nella storia della civiltà occidentale”.

L'album rimase per duecento settimane in classifica e finì per rappresentare una miniera inesauribile di spunti non solo per il pop, ma anche per il rock più evoluto che sarebbe venuto dopo.

Voto 9

Lucio Mazzi

BEATLES - Revolver - 1966

2010-06-14T17:09:00.001+02:00

Dopo “Revolver” il pop non fu più lo stesso. Su questo, nessuna discussione.

I Beatles che avevano tastato l'acqua col piede pubblicando “Rubber soul”, questa volta si tuffarono a pesce nella ricerca musicale e tematica, e nello sperimentalismo sonoro.

Diradate le esibizioni live durante le quali avevano finito per parodiare sé stessi non riuscendo neanche a sentire quello che suonavano rincretiniti dalle urla dei fans, i Quattro si dedicarono completamente al lavoro di composizione e, assistiti in modo determinante da George Martin, di realizzazione in sala.

E si divertirono. Toccando tutti gli argomenti, dalle tasse al buddismo, esplorando tutti i generi musicali, dalla canzonetta infantile (“Yellow submarine”), al r'n'b (“Got to get you into my life”, dove “you” non è una signora ma, pare, la cocaina), al pop psichedelico (“She said she said”, "Tomorrow never knows"), alla musica orientale (“Love you to”) alla canzone romantica (“For no one”), al blues (“Taxman”).

E fin qui si parla di belle canzoni. Poi ci sono i capolavori.

“Eleanor Rigby”, scritta da Paul con il contributo determinante degli altri tre e magistralmente arrangiata da George Martin utilizzando in maniera geniale un ottetto d'archi, è uno dei classici intramontabili del gruppo: un testo splendido che nella parte conclusiva, con la morte della protagonista e il prete che si pulisce le mani dalla terra allontanandosi dalla sepoltura, non mancò di scioccare il pubblico.

“Here, there and everywhere” è considerato da Paul la sua canzone che meglio riesce a combinare melodia e testo in una dolcezza assolutamente priva di miele.

“Tomorrow never knows” è la canzone più sperimentale mai incisa dai Beatles fino a quel momento: il testo ispirato al tibetano "Libro dei morti" è cantato da John con una voce lamentosa filtrata attraverso un amplificatore per chitarra ottenendo un'atmosfera quasi mistica. Si tratta di un brano scritto (da Lennon) sotto l'influsso diretto dell'LSD che in quel periodo stava sperimentando (il "Libro dei morti" è un testo di riferimento della cultura lisergica): parla dell'acido e del suo universo, e in questo senso è stato sicuramente uno dei brani più socialmente influenti mai realizzati dai Beatles. Va detto, che a causa dell'LSD, Lennon avrebbe passato i successivi due anni in un perenne stato di alterazione psichica che finì per ridurlo praticamente a un rottame. Solo con grande forza mentale e fisica riuscì a venirne fuori. A differenza di tanti che con l'acido si erano letteralmente bruciati il cervello.

“Revolver” fu un disco fondamentale per i Beatles, ma soprattutto per il pop che con le sue intuizioni si trovò a dover fare i conti. E non sarebbe stato facile. E appena iniziato a digerire tutte queste novità, sarebbe arrivato il Sergente Pepe e la sua banda di Cuori Solitari…

Voto 8

Lucio Mazzi

CASTEL SAN PIETRO IN BLUES - Castel S. Pietro (Bo) 4-6 giugno

2010-06-09T13:16:00.000+02:00

“Chi non ama il blues ha un buco nell’anima”, è un vecchio detto inciso da mano ignota sul muro di un vecchio negozio di dischi del Mississippi. Ci è venuto in mente nel mezzo delle migliaia di persone che hanno affollato la piazza di Castel San Pietro Terme (paesone tra Bologna e Imola) per il primo fine settimana di giugno del Castel San Pietro in Blues, il festival che da quattordici anni propone musicisti interessanti, spesso al debutto in Italia.

Quando a mezzanotte passata nessuno se ne voleva andare dalla piazza si è capito che là nella cittadina termale nessuno ha un buco nell’anima.

Doveva essere una festa e così è stato, favorita certo anche dall’ingresso gratuito, ma in ogni caso l’entusiasmo con cui i concerti sono stati accolti ha dimostrato l’interesse verso una musica che riesce a trascinare a divertire. La serata del venerdì, una sorta di anteprima nella Sala del Cassero medievale, ha visto l’esibizione dell’inglese Eddie Martin, cantante, chitarrista e armonicista di ottima scuola, rigoroso nella sua proposta di blues acustico, capace di dialogare con la gente che ha riempito il piccolo teatro, tanto che in molti sono rimasti fuori.

Martin nel pomeriggio del sabato ha poi tenuto un incontro aperto con il pubblico in cui ha parlato della propria musica (sollecitato dal critico Matteo Gaccioli), di cosa significhi essere un bluesman nel terzo millennio, con grande disponibilità e semplicità. La sera il palco della piazza ha visto la prima parte della festa con il britannico Martin Harley e gli Hill Country Revue, band americana al debutto in Italia.

Trentaseienne che alterna la chitarra acustica alla lap slide guitar (la chitarra tenuta sulle gambe in posizione orizzontale), Harley (affiancato da Jay Carter contrabbasso e Pete Swatton batteria) ha entusiasmato per brani coinvolgenti, di grande impatto rimtico, proposti con vocalità cristallina.

Tutt’altro ambito sonoro per gli Hill Country Revue (nella foto di Stefano Scarpante), band formata poco più di un anno fa da Cody Dickinson dei North Mississippi Allstars (ospiti al festival due anni fa) che qui però ha suonato il basso e la washboard, affiancato da Daniel Robert Coburn armonica e voce solista, Kirk Smithhart chitarra e Edward Cleveland batteria.

Con un incrocio sonoro tra southern rock ed il blues delle “colline”, gli Hcr hanno trascinato anche per la capacità di variare il repertorio, tra i brani di “Make a move”, il bell’esordio su disco dello scorso anno, ed alcune cover. Finale con l’immancabile jamsession tra tutti gli artisti.

La domenica si è aperta nel pomeriggio con la presentazione, al Cassero, di “Angeli perduti del Mississippi” il libro (Meridiano Zero editore) di Fabrizio Poggi, ottimo armonicista che ha messo su carta un viaggio per ‘voci’ (dalla A di Albama alla Z di Zydeco) nel mondo del blues. Un libro tutto da gustare.

La sera poi i concerti con gli americani Jason Ricci, armonicista e cantante, ed il duo formato da Peter Karp e Sue Foley. Un folletto sulla scena che non si risparmia negli oltre novanta minuti di concerto, Ricci con la sua band New Blood (con cui ha inciso il recente “Done with the devil”), ha proposto un blues molto rockeggiante, quasi pirotecnico, con l’armonica usata nei soli quasi fosse una chitarra, ben supportato da un quartetto affiatato. Finale con Karp e Foley, che con “He said, She said”, il disco pubblicato in primavera dalla Blind Pig hanno raggiunto la vetta del top ten Usa del blues.

Entrambi chitarristi, lui è un singersongwriter di esperienza, lei una cantante forse troppo soft per un concerto all’aperto, hanno proposto un repertorio raffinato, con Niles Terrat basso e Mike Catapano batteria. Dopo l’entusiasmante Ricci, il duo ha riportato l’atmosfera su toni più da ascolto che non ad festa open air, e forse proprio questo è il loro limite, ma gli applausi non sono mancati. Come per la lunga jam finale con tutti i protagonisti sul palco.

Castel San Pietro ha riconfermato la propria vocazione verso il blues e l’augurio è che l’appuntamento non venga travolto dai tagli che si stanno abbattendo sulla cultura.

Per approfondire: www.castelsanpietroinblues.it
Voto 8
gianni gherardi

BEATLES - Rubber soul - 1965

2010-06-06T17:43:00.001+02:00

I Beatles stavano crescendo. Musicalmente e umanamente. Erano decisamente meno inclini a sottostare ai dettami dell'industria e avevano voglia di tentare qualcosa di nuovo. La consapevolezza di potersi permettere tutto questo faceva parte della loro crescita.

“Rubber soul” è il disco che salutava il passato e iniziava ad occhieggiare il futuro: sembrava che i Quattro guardassero ora le cose in prospettiva non accontentandosi di sfruttare al massimo il presente. In più erano consapevoli del fatto che per durare nel tempo fosse indispensabile definire il più possibile uno stile personale. Uno stile che sarebbe stato influenzato in maniera decisiva dall'incontro con uno dei fattori più influenti sulla cultura e la vita degli ultimi anni '60: l'LSD.

In ogni caso, gli indizi di questa “crescita” sono sparsi a piene mani ovunque lungo i solchi: George suona il sitar in “Norvegian wood” segno di un interesse per l'oriente che non sarà una moda passeggera (come per gli altri tre); la stessa “Norwegian wood”, marcatamente dylaniana nelle sue tematiche, mostra come i Beatles, all'infuori del loro microcosmo iniziassero a guardare anche a riferimenti che non fossero l'amato (ma… infantile) rock'n'roll dei padri; la splendida “Girl” ha un'inusuale atmosfera tragica e sconsolata e contiene anche alcune delle prime riflessioni di John sul cristianesimo; “My life” ci presenta per la prima volta Lennon alle prese con i luoghi e le persone del suo passato; “Nowhere man” è la prima canzone dei Beatles in cui non si fa alcun accenno all'amore; "Drive my car" è una delle più moderne canzoni del gruppo e uno dei migliori brani d'apertura di un loro album… Paradossalmente la splendida e giustamente celebrata “Michelle”, pur con la sua grande ricchezza armonica, finisce per essere uno degli episodi meno “interessanti” (in quanto innovativi) del disco.

“Rubber soul” è decisamente l'album di passaggio dalla fase “infantile” alla fase “adulta”, la dimostrazione che il gruppo poteva crescere perché disponeva di una vera vena creativa anche se non ancora espressa compiutamente, e non restare legato ad una moda destinata, come tutte le mode, a finire in niente. Dove porteranno le nuove tematiche affrontate, ma anche certi esperimenti sonori (certa psichedelia che inizia a fare capolino fin dalla copertina con quei visi deformati, le manipolazione di nastri, gli strumenti esotici) lo capiremo negli anni successivi: quello che conta è che con questo album i Beatles dimostrano nella maniera più evidente e per la prima volta una cosa fondamentale: di avere un domani.
Voto 7,5
Lucio Mazzi

AngelicA 2010 - Bologna-Modena

2010-06-02T15:10:00.001+02:00

Quella che si è conclusa domenica scorsa con il concerto del quartetto vocale di Giovanna Marini e del Coro Arcanto, è stata l’edizione più bella ed articolata del festival AngelicA, quella del ventennale.

Il ricco ed assortito cartellone allestito da Massimo Simonini, un direttore artistico con le idee fin troppo chiare e dall’intelligenza luminosa, si è snodato tra svariate proposte che hanno anche consentito di scoprire artisti di prestigio ma qui poco frequentati (è il caso di Bernard Parmegiani che ha aperto il festival con le sue spazializzazioni del suono in una affollata Aula Magna di Santa Lucia) o di ritrovare jazzisti atipici come il sassofonisti Henry Threadgill, fino al progetto “4 Skies” realizzato per l’occasione da Arto Lindsay con la Filarmonica Toscanini, presentato nei teatri di Lugo e Modena.

O ancora il successo (tutto esaurito) dell’Electric Masada di John Zorn all’Arena del Sole per “Essential cinema” (qui sopra nella foto di Massimo Golfieri), con otto musicisti che suonavano alla grande sulle immagini di film muti di avanguardia.

Così vengono spontanee alcune considerazioni. La prima è che seppur di nicchia (e il termine non vuole essere dispregiativo) AngelicA ha ottenuto in questa edizione un bel successo di pubblico, in termini di affluenza, come ha notato lo stesso Simonini. I diversi concerti al teatro San Leonardo spesso hanno registrato l’esaurito (150 posti circa a sedere), anche con il favore di un biglietto di ingresso accessibile.

Sembreranno numeri trascurabili, ma vedere una sala piena di pubblico giovane ascoltare il violinista Enzo Porta che suona Luigi Nono o Jon Rose che gioca con l’elettronica ed il suo “archetto interattivo”, induce all’ottimismo in questi tempi di tagli di tutto ciò che ha a che fare con la cultura.

C’è però un problema di location, come dicono gli intellettuali. Il teatro San Leonardo “dovrebbe” essere la sede naturale di AngelicA, sia per i concerti ma soprattutto per favorire la ricerca e la produzione di musicisti che altrimenti non avrebbero un posto dove potersi esprimere, provare, allestire produzioni, concerti e seminari. Una sorta di “teatro comunale dell’avanguardia”, secondo una felice espressione coniata da Simonini. Per evitare che ogni volta il festival debba richiedere ospitalità in giro per la regione.

Qui sta il punto. Già in passato l’assessore Guglielmi promise che tale sarebbe diventato, poi tutto è saltato. Ora Mauro Felicori, dirigente del servizio cultura, assicura che il Comune sta pensando a fare diventare stabile il San Leonardo, che ovviamente necessita di restauri per garantirne l’agibilità.

La mancanza di un sindaco ed un assessore di riferimento non favoriscono poi quella politica culturale che si dovrebbe portare avanti, e che finora ha visto come straordinario capocordata l’assessore regionale Alberto Ronchi, poi sacrificato dalla nuova Giunta in nome della spartizione.

AngelicA ormai è un “marchio”, noto anche in Europa, che testimonia al meglio la produzione sonora contemporanea. Ma è anche un “logo” che va tutelato e protetto, da tutti, istituzioni ed addetti ai lavori. Per approfondire sul festival e la sua storia: www.aaa-angelica.com.
Voto 8
Gianni Gherardi

BEATLES - Help! - 1965

2010-05-31T15:46:00.001+02:00

Una mattina Paul si alza. Brancola fino al pianoforte e appoggia le mani sui tasti. Ha in mente questa cosa… “Scrambled eggs… all my troubles seem so far away…” Paul chiude il pianoforte: uova strapazzate…che scemenza… Però la melodia non se ne va… (dirà poi lui che certe cose nascono perfette come un uovo: senza una crepa, senza un'imperfezione…)

Beh, a noi piace pensare che quella che è forse la canzone più famosa al mondo, “Yesterday”, sia nata proprio così.
Un po' per caso.

Certo era mattina, certo c'erano di mezzo le uova strapazzate, ma tutto il resto fu magia. Su questa canzone sono anche fiorite diverse leggende, una delle più accreditate, e attribuita addirittura a George Martin, sostiene che Paul compose il brano nel gennaio del 1964.

Se fosse vero, questo capolavoro assoluto sarebbe stato scartato da due album per finire solo all'ultimo momento in un terzo (questo “Help!”).

É comunque vero che McCartney non riusciva a convincersi di essere il vero “padre” del brano: lo faceva ascoltare a tutti, incredulo del fatto che una melodia così… perfetta non fosse già stata composta da qualcun altro: temeva di averla inconsapevolmente copiata.

In ogni caso, il brano venne registrato il 14 giugno del 1964, la sera, dopo che per tutto il giorno Paul si era sgolato (altro fatto curioso) su “I'm down” (lato B del singolo “Help!”). Tra le tante versioni registrate venne alla fine scelta, non senza grandi resistenze da parte di Paul, quella eseguita con un quartetto d'archi. George Martin aveva in mente questa cosa del quartetto fin da subito, ma Paul non ne voleva sapere: non voleva una cosa “alla Mantovani”.
Alla fine si convinse.
Grazie a Dio.

Ma qui va detto che quell'intuizione di Martin non fu l'unica: nella storia musicale dei Beatles, le canzoni furono certo scritte da Joh, Paul, George e (qualcuna) da Ringo, ma la quasi totalità dei colpi di genio in fase di arrangiamento si deve al “Quinto Beatles”. É tutto suo il merito se spesso quella che era semplicemente una “buona canzone” è diventato qualcosa di immortale.

Ma tornando al disco, non c'è solo “Yesterday” in “Help!” (anche se per molti sarebbe più che sufficiente a giustificarne il prezzo): il disco è la colonna sonora del secondo film dei Beatles, ma aveva poco a che fare con il film stesso (cui peraltro i Beatles non diedero alcun apporto creativo, prestando praticamente solo la loro presenza), invece era una raccolta di buonissimi brani.

Alcuni ottimi: ovviamente la citata “Yesterday” (non inclusa nel film), “Help!” (che nelle intenzioni di John che l'aveva scritta avrebbe dovuto essere una ballata, ma fu riarrangiata in chiave pop veloce e funzionò alla grande), “Ticket to ride” uno dei migliori brani di questo periodo del gruppo. E poi “You've got to hide away”, “The night before”, “I need you”, “Act naturally” e perfino la cover di “Dizzy miss Lizzy”… erano brani più che buoni, ma, al cospetto di “Yesterday”….
Voto 7
Lucio Mazzi

AC/DC - live allo stadio Friuli - Udine - 19/5/2010

2010-05-21T08:28:00.004+02:00

L'anno scorso leggevo su un blog un'affermazione del genere:"Chi sono gli Ac/Dc???? Aaaaahhhh... è vero... quelli che hanno il cantante che strilla come una gallina strozzata...".Frase scritta da un ragazzetto di 18 anni.
Bene, il 19 maggio 2010, sono andato a sentire, e come me altre 49.999 persone, questa gallina strozzata.

Il pomeriggio è piacevole, il sole picchia e il pubblico è già caldo quando sul palco arriva Maurizio Solieri che presenta alcuni brani del suo primo album; un po' troppo caldo, forse, per la performance delle Vibrazioni, accolti con poca simpatia ed un eloquente striscione in cui si ricorda l'effetto Falqui provocato ai "fan" dal gruppo milanese.

Per loro fortuna arriva sul palco Pino Scotto, per dedicare "Rock n' Roll" dei Led Zeppelin, al compianto Ronnie James Dio... quattro minuti quattro, poi fischi e lanci di bottiglie riprendono.
Saluto finale del Sarcina: un bel "you fuck"... lascio a voi ogni commento.

21.30: si spengono le luci e gli schermi giganti del palco corna-munito proiettano un cartoon in cui un indemoniato Angus spara a tutta velocità il treno su cui viaggiano lui e i suoi colleghi (insieme a poco equivoche ragazze).

Il treno deraglia, il palco esplode, e il riff di chitarra di "Rock n' Roll Train" incendia un pubblico già carico dalla mattina; i "nostri" sonoa mille , e tra un brano del nuovo album e grandi classici la serata scorre liscia.

Phil Rudd è un metronomo, Cliff Williams lo segue a ruota, Malcolm Young fa il suo "sporco" e preziosissimo lavoro, mentre Brian Johnson dà voce ai 50mila dello stadio Friuli...

E poi c'è lui... tanto basso quanto grande, un fenomeno, una forza della natura: Angus Young si diverte, si divertono gli Ac/Dc e si capisce, lo capiscono tutti.

E' difficile trovare il momento migliore dello spettacolo: potrebbe essere "Back in Black", quando tutti la riconoscono solo dall'intro di charleston di Phil Rudd, oppure quando Angus parte con il riff di "Thunderstruck" e scatta il delirio, o quando durante "The Jack" sempre Angus improvvisa uno spogliarello (da notare il fisico e la forma in cui è arrivato a 55 anni...e dico 55).

Altro momento candidato a migliore potrebbe essere la discesa della campana dell'Inferno con Johnson, che di anni ne ha 62, che dà il La a "Hell's Bells" appendendovisi, o quando la coppia "You shook me all night long" / " TNT" fa letteralmente esplodere il pubblico. Da non trascurare la bambolona Rosie che appare in tutte le sue forme prima di una "Let there be rock" epocale, in cui Angus dà sfoggio di tutta la sua bravura e "impertinenza".

I cannoni di "For those about rock" ci salutano, i fuochi d'artificio ci accompagnano verso l'uscita.

Udine per una sera è stata la capitale del rock n' roll mondiale, la macchina si avvia verso Bologna, e io ripenso alle parole di quel "cinnazzo" (come si direbbe dalle mie parti) e avrei voluto che vedesse la sua gallina strozzata mercoledì 19 maggio 2010, ricordandogli che alle volte invecedi parlare, bisognerebbe strozzarsi un po'.
Voto 8
Lorenzo Galli

Nine Below Zero - live al Naima (Fo) - 14/5/2010

2010-05-19T18:12:00.001+02:00

È un’atmosfera da grande blues club di frontiera – cuore pulsante di un’Emilia che sogna la Route 66 e brama la sconfinata solitudine delle praterie americane – quella respirata dal centinaio di spettatori accorsi venerdì sera al Naima di Forlì per assistere al concerto dei Nine Below Zero.

Decisi a sopperire al numero non proprio imponente con un tifo esuberante e un entusiasmo contagioso, gli avventori si sono trovati davanti una band determinata a onorare la propria tradizione di gruppo simbolo della scena blues britannica.

Trainata da una locomotiva umana come Dennis Greaves, capobanda dei NBZ noto per maneggiare la sua chitarra con lodevole versatilità – ora accarezzandola con complicità come fosse la sua amante, ora strattonandola con foga come farebbe un buttafuori con un cliente indesiderato - la band ha dato prova di grande grinta e personalità rendendo giustizia alla prestigiosa “venue” che li ospitava.

Merito anche del batterista Brendan O’Neill e del bassista Gerry McAvoy, ottimi nel creare un’imponente sezione ritmica sulla quale l’armonica di Mark Feltham (co-fondatore del gruppo assieme a Greaves e finalmente tornato sulle scene dopo l’assenza per motivi di salute) ha potuto slanciarsi con destrezza e carattere.

In un’ora e tre quarti di concerto, ecco i NBZ squadernare i punti di forza del loro repertorio blues elettrico: da "Three Times Enough" a "I’m a lonely man", da "Don’t Point Your Finger At The Guitar Man" a "Hit The Spot" per citarne solo alcuni.

Il meglio di 30 anni di carriera condensato in un live a dir poco “vulcanico” (degna risposta al vulcano islandese, quello vero, che aveva tentato senza riuscirci di bloccare la band all’aeroporto di Londra) che porta dentro di sé tutti i tratti caratteristici del sound dei Nine Below Zero: la morbidezza e il seducente appeal del rhythm and blues di matrice britannica e l’irrequietezza punk sempre pronta a trapelare dai modi e dall’atteggiamento dei suoi componenti.

Ciò che resta alla fine di un concerto così è un senso di grande appagamento ma anche di stanchezza fisica che coinvolge non solo i musicisti ma anche il pubblico, reduce da una vera e propria doccia catartica di emozioni e percezioni contrastanti.

C’è da rimpiangere dunque di non poterli vedere per il secondo anno consecutivo al festival Castel San Pietro In Blues: rinomata kermesse di livello internazionale che l’anno scorso ha accolto con entusiasmo la band di Greaves e Feltham e che quest’anno – va detto - offre comunque, dal 4 al 6 giugno tantissime chicche per gli amanti del genere (dal southern blues degli Hill Country Review al country-blues di Sue Foley and Peter Karp Band.

Voto 7,5

Matteo Guizzardi

BEATLES - Beatles for sale - 1964

2010-05-17T14:38:00.001+02:00

“A hard day's night” era stato un buonissimo album. Subito dopo, “I feel fine” era stato un buonissimo singolo: tutto lasciava presagire un'altra grande prova del quartetto di Liverpool, invece “Beatles for sale” risulta essere forse il disco peggiore dell'intera produzione beatlesiana.

In esso ritornano le cover mentre i brani originali si perdono nell'anonimato.

Certo, "Eight days a week” arrivò (immeritatamente) primo in classifica (del resto ormai questo era un destino segnato per qualsiasi album dei 4) ma questo non basta a nobilitare un lavoro le cui canzoni oggi sono conosciute solo dai fans più sfegatati. In realtà i Beatles erano stanchi e forse non reggevano la pressione.

Qualcuno sospettò che la vena compositiva di Paul e John fosse ormai esaurita (anche se la lennoniana “I'm a loser” derivata dallo stile di Dylan ma non priva di una certa originalità, pareva dimostrare il contrario) qualcun altro derubricò la Beatlesmania a fenomeno solamente di costume negandogli qualsiasi giustificazione artistica.

I Beatles erano in vendita, qualcuno li voleva comprare?

Voto 5,5

Lucio Mazzi

BEATLES - A hard day's night -1964

2010-05-12T19:14:00.001+02:00

Neanche un anno dopo l'uscita del primo album, la Beatlesmania era già una realtà assodata.

Le facce dei 4 Beatles erano ovunque, i ragazzi si pettinavano e vestivano come loro, i concerti erano presi d'assalto e i dischi andavano a ruba. E dato che in quel periodo tutte le star della canzone finivano col fare un film (avete presente Elvis?), ecco i Quattro davanti alla macchina da presa nelle vesti di… loro stessi alle prese con i fans.

Tuttavia, questo “A hard day's night” (“Tutti per uno” in Italia) rappresentò un'eccezione nel panorama dei “musicarelli” dell'epoca perché Richard Lester (apprezzato regista del cinema indipendente inglese) fece un ottimo lavoro.

L'album è la colonna sonora del film e rappresenta un deciso passo avanti nella produzione del gruppo.

Tanto per cominciare, tutti i brani sono firmati dall'ineffabile coppia Lennon/McCartney (si saprà poi che le canzoni erano composte quasi interamente da uno o dall'altro e firmate da entrambi) e molti di essi sono entrati di diritto nella storia della band. Diciamo la title track, “I should have known better”, “And I love her” che John definì “la prima "Yesterday" di Paul”, “Things we said today”, romantica riflessione di Paul sulla sua relazione con l'attrice Jane Asher, la scatenata “Can't buy me love”...

Il suono-Beatles era già ben definito ed era ormai del tutto evidente come la Beatlesmania fosse alimentata più dal vero talento dei Quattro che dagli urletti isterici delle loro fans.

Voto 7

Lucio Mazzi

FOCUS - Hamburger Concerto - 1975

2010-05-01T11:05:00.001+02:00

Nella prima metà degli anni ’70, la dittatura anglosassone nel rock mostrava qualche crepa. È stato l’unico momento in cui i giovani del continente sentirono parlare di gruppi rock francesi (gli ANGE, in qualche modo i Gong), tedeschi (gli Amon Dull e la nutrita schiera dei “cosmici”: Tangerine Dream, Popol Vuh, Can, Ashra Temple…), italiani (PFM, Banco, Orme) e addirittura olandesi, come gli Ekseption e questi Focus. Non tutte queste band erano ascrivibili al progressive (genere all’epoca imperante), ma sicuramente i Focus sì. Cosa di cui abbiamo piena dimostrazione in questo “Hamburger Concerto” da molti ritenuto il capolavoro del gruppo nonostante non contenesse nessuna delle canzoni più famose della band (“Sylvia”, The house of the king”, “Hocus Pocus”, per dire)

Ora, va detto subito che ben pochi dei lavori del tempo (anche all’epoca osannati), ascoltati oggi reggono la prova del tempo. E forse non è il caso di questo. Da qui il dilemma: ascoltarlo con le orecchie di oggi o con quelle di 35 anni fa? Non sapendo scegliere, ecco come avrei parlato del disco alla sua uscita e come ne parlo oggi.

l
Mi piacciono i Focus, suonano “diverso”, non so come altrimenti esprimermi: conosco bene i loro brani più famosi (non solo quelli), e li trovo… diversi. Sì hanno un flauto come i Jethro Tull (o la nostra Premiata), hanno un grande chitarrista e un tastierista megalomane come tanti altri gruppi, ma è la fusione tra i loro suoni che regala sensazioni diverse. C’entra col fatto che siano olandesi e non inglesi? Non saprei: mi limito a prendere atto

Per questo mi sono procurato subito questo “Hamburger Concerto”, appena uscito. E francamente non ne sono rimasto deluso. Chiaro che gli ingredienti con cui cucinano Akkerman e Val Leer sono sempre quelli, ma mi sembra di cogliere nella band il tentativo di esplorare strade nuove… Ad esempio, una nuova attenzione verso certa musica antica in “Delitae musicae”, nel clavicembalo all’inizio di “Birth” o nel primo movimento del “Concerto”, ma poi il loro suono resta sempre inconfondibile.

Probabilmente manca un pezzo veramente vincente che possa proporsi come potenziale hit, ma la sensazione è che questo sia voluto: preferendo i Focus che l’ascoltatore concentri la propria attenzione su tutto il lavoro e non solo su un potenziale singolo da classifica. Bene, allora.

Non si creda comunque che il gruppo abbia esaurito il proprio percorso artistico. Ne è dimostrazione la suite che dà il titolo all’album che se ovviamente non è all’altezza di un capolavoro assoluto come “Supper’s ready” dei Genesis, può proporsi come degna esponente del genere: 20 minuti in cui cambiano spesso climi e atmosfere e durante i quali si passa da una musica di stampo classico a influenze quasi spagnoleggianti a purissimo rock. Sempre con l’inconfondibile marchio Focus.

2
Brutta cosa invecchiare e il prog, nel 1975 era già vecchio: ora lo sappiamo, ormai aveva detto tutto e di lì a poco il punk ne avrebbe definitvamente spazzato via tutti i rimasugli. Nel 1975 anche le stelle più abbaglianti del firmamento prog iniziavano a perdere luce: in quell’anno usciva l’album inglese del Banco (“Banco”), quello americano della PFM (“Chocolate kings”), “Wish you were here” dei Floyd, “Minstrel in the gallery” dei Jethro Tull, “Usa” dei Kink Crimson, “Freehand” dei Gentle Giant, i Genesis perdevano anche Peter Gabriel, ELP stavano meditando di salutarsi. Non ci vuole un grande studioso di cose rock per capire che tutti questi gruppi il meglio l’avevano già dato.

I Focus pubblicavano questo “Concerto”, album caratterizzato dalla lunga title track (basata sulla prima variazione di Brahms su un tema di Haydn) che, in origine, occupava tutta la seconda facciata. Uno di quei ricorsi alla musica classica da parte del prog che raramente hanno funzionato, va detto.

Dobbiamo dirla tutta? Qua di idee ce ne sono poche, riesce addirittura arduo parlare di prog, dove per prog si intendano comunque costruzioni musicali complesse, mutuate dalle “forme” della musica colta. In realtà, invece, molti di questi brani si basano su un tema o due su cui la band improvvisa. Null’altro.

“Harem scarem”, ad esempio: 6 minuti di assolo prolissi, alternati su due temi (uno fin troppo debitore di “It's about that time" da "In a silent way" di Miles Davis) e le ultime note che citano “Hocus Pocu”s. Tutto qui. E non è tanto: bastavano 3 minuti per uno “sforzo del genere”: 6 sono accademia.

Leggermente più elaborata la struttura di “La cathedrale de Strasbourg”, organo liturgico e pianoforte a creare l’atmosfera per un lentone che promette bene e si perde subito insistendo sui soliti due accordi. Lontano anche dal tipico suono Focus.

Che invece si propone piuttosto bene in “Birth”, forse il brano più convincente dell’album, e ancora di più nella parte finale della prolissa suite che titola l’album. Qui, l’incedere incalzante di cori, chitarre e tastiere riescono a creare qualche emozione e a riproporre (finalmente!) in maniera evidentissima il tipico marchio di fabbrica Focus, nei suoni e nel dispiegarsi della melodia.

Il salvataggio in extremis di un disco osannato alla sua uscita e poi, non a caso, dimenticato nei decenni.

Voto 6

Lucio Mazzi

BEATLES - With the Beatles - 1963

2010-04-26T15:16:00.002+02:00

Era stato sufficiente il primo album per dar fuoco alla miccia della Beatlemania.

Un fenomeno esploso in mano ai discografici e al quale i discografici forse non credevano particolarmente. Tant'è vero che, per sfruttare il momento favorevole, spedirono il gruppo nuovamente in sala di registrazione a pochi mesi dall'uscita di “Please please me” e mentre ancora i nuovi singoli ("From me to you", "I want to hold your hand", "She loves you") volavano come traccianti attraverso l'hit parade.

Ma se “Please please me” aveva avuto il pregio dell'immediatezza e della novità, tre mesi di registrazioni e l'uso di tecniche più sofisticate come la sovraincisione delle voci produssero un album non altrettanto efficace.

E i successi del periodo appena citati non vennero neppure inclusi nel disco (il protocollo delle classifiche vietava che un brano uscito come singolo fosse incluso in un album nello stesso anno) che così finì per mancare di un brano veramente trascinante.

Ancora una volta, cover e canzoni inedite, ma i pezzi nuovi sono poi velocemente finiti nel dimenticatoio (a parte forse la sola “All my loving”) e le cover ( tra cui si segnala solo la celeberrima “Roll over Beethoven”) sanno tanto di riempitivo.

Insomma, tutti gli ingredienti giusti per un buon fiasco, invece l'album fu il primo dei Beatles ad arrivare in testa alla classifica. Quelli che cominciarono allora a pensare che i Quattro avrebbero potuto incidere un disco di pernacchie e finire nella top ten videro giusto, ma Paul, John, George e Ringo avrebbero dimostrato fin da subito che quello che stava succedendo loro era meritato.

Voto 6

Lucio Mazzi

BEATLES - Please please me - 1963

2010-04-13T18:03:00.002+02:00

Cominciamo da oggi a pubblicazione delle recensioni di tutti gli album dei Beatles in ordine cronologico. Va mo là!
Questo è il primo.

Non pare di vederli questi giovanissimi Beatles sotto il soffitto basso del Cavern agitarsi ed agitare i ragazzi ai piedi del piccolo palco?

“One, two, three, four” e via con "I saw her standing there”, il rock'n'roll che padri del rock'n'roll (Elvis, Jerry Lee e Chuck in testa) non erano mai stati in grado di scrivere…

Il primo album di questi ragazzini che da un po' stavano facendosi notare in giro per il paese, il produttore George Martin (personaggio fondamentale nella musica dei Beatles) l'aveva proprio voluto così: la fotografia su disco di una tipica esibizione del quartetto.
Pezzi originali (“Misery” “Ask me why” “Please please me”, primo singolo a piazzarsi nei Top Five, “Love me do”, un onorevole 17° posto alla sua uscita…) e cover “inevitabili” per quel periodo (“Anna”, “Chains”, “Boys” “Baby it's you” di Burt Bacharach…).

Infine una chiusura esplosiva con la celeberrima “Twist and shout” che divenne talmente famosa in questa versione da far dimenticare il fatto che si trattasse, anch'essa, di una cover.
Proprio questo brano fu inciso alla fine dell'unica lunghissima sessione di registrazione dell'11 giugno durante la quale era stato registrato tutto l'album e dato che Lennon, influanzato, era ormai senza voce, l'unico modo per cantarla era urlarla a squarciagola.
A George Martin andò benissimo così.

“Please please me” è tutto qui: in questi veloci 14 pezzi. Un grande album forse no, forse un album come tanti di quel periodo, ma il bello doveva ancora arrivare e nessuno, veramente nessuno, in quel momento poteva immaginare cosa sarebbe successo di lì a poco.

Voto 7

Lucio Mazzi

NICCOLO FABI – Solo un uomo - 2009

2010-04-05T15:10:00.002+02:00

Questa recensione poteva intitolarsi anche “Mea culpa, mea maxima culpa”!
Ho sottovalutato pochissimi artisti quanto Niccolò Fabi. A dir la verità lui non ha fatto, a inizio carriera, del suo meglio per farsi apprezzare. “Dica” o “Capelli” non erano altro che canzoncine pop, "facilotte" e disimpegnate.

Rileggere quella pagina del suo repertorio alla luce dei suoi lavori discografici recenti ci fa capire quale meccanismo perverso muova le case discografiche al giorno d'oggi. Meglio un prodotto veloce che un prodotto di qualità! Ovvero meglio un surgelato Findus che una bella fiorentina!

Dal 2003 qualcosa però cambia...forse più forte da un punto di vista contrattuale, il nostro “eroe” si avvicina sempre più velocemente alla tradizione della canzone d'autore più nobile, abbinandola a sonorità jazz e acustiche. Nasce così “La cura del tempo” che stupisce ed ammalia. I singoli “Il negozio di antiquariato”, “Mimosa” e soprattutto “E' non è” abbinano orecchiabilità a qualità estrema, sia musicale che poetica.

L'album seguente è “Novo Mesto”, autentico capolavoro acustico e, di gran lunga, il miglior titolo della discografia. Disco difficile e intenso, destinato alla musica d'autore.

Di conseguenza, sotto i migliori auspici nasce “Solo un uomo”. Curiosità: la titletrack viene scartata dalla partecipazione a Sanremo. Dopo un primo veloce ascolto si capisce subito il perchè. Troppo delicata ed intelligente per dividere il palco con Pupo ed Emanuele Filiberto!

Il sound dell'album è ancora fortemente caratterizzato da sonorità acustiche. La chitarra soprattutto la fa da padrone, occupando il cuore più intimo delle canzoni, all'interno di arrangiamenti scarni ma di grande raffinatezza.

Più forte rispetto ai lavori precedenti è il ricorso alle chitarre elettriche, utilizzate da contrappunto alla melodia del canto, di grande effetto e mai invasive (ascoltare “Solo un uomo” e “Attesa e inaspettata”). Segnalazione particolare per “Fuori o dentro”, autentica perla, delicata e lucente.

Di grande impatto emotivo i testi che giocano spesso con rime e assonanze, dimostrando una piena maturazione letteraria e una padronanza invidiabile della lingua italiana.

Se vogliamo, alla lunga questa peculiarità risulta essere anche l'unico appunto da muovere all'album. Se in certi casi (“chi viene alla luce, illumina”) il giochino riesce perfettamente, altre volte (“amare è un verbo transitivo, deve transitare “) risulta francamente stucchevole.

Ma, se vogliamo accodarci al gioco delle metafore, una bella donna con un piccolo brufolo sul naso, rimane pur sempre una bella donna.
Una piacevole conferma.

Voto 7

Marco Baxa

POLICE - Triple heart - 2010

2010-04-01T14:47:00.002+02:00

Assolutamente a sorpresa esce questo inaspettato album dei Police, riunitisi nonostante soprattutto Sting (impegnato in ben altri progetti) abbia da tempo rifiutato ipotesi di questo tipo.

Bene dunque, dopo il live di qualche anno fa questo album da studio che potra avanti una ricetta sonora che conoscevamo già bene. Perchè questi tre cuori in uno battono ancora all'unisono come una volta e soprattutto sembrano davvero divertirsi.

Rispunta il reggae di 30 anni fa in "Make me feel", "Another world" e "Tell me woman" ma accanto a quel suono tipicamente "Police", ecco il frutto degli ultimi percorsi musicali compiuti singolarmente dai tre: i climi medievali di Sting in un brano come "Fishing trouts", le ricerche ritmice di Copeland in "Tumbo dance" e le sperimentazioni di Summers in "Jezebel's retourn".

Potremmo pure chiederci che senso abbia una reunion di questo tipo che niente permette di credere duratura, potremmo chiederci cosa abbia fatto riunire strade che corrono ormai così distanti, e soprattutto se sia "lecito" emozionarsi per qualcosa che più che proiettarci nel futuro ci ricorda un (glorioso) passato.

Potremmo anche non farci alcuna domanda ed ascoltare questo disco godendocelo e basta.
E mi sa che sia meglio la seconda che ho detto.

Voto 8

Lucio Mazzi

FABRIZIO DE ANDRE' + PFM - In concerto vol 1 e 2 - 1977

2010-03-16T16:01:00.002+01:00

Alla fine degli anni '70 Fabrizio De Andrè decise di dare un'energica rinfrescata ai suoi vecchi classici e chiamò la PFM (che aveva già collaborato con lui all'inizio di carriera) per qualche buon consiglio.

Non era la prima volta che Fabrizio lavorava con un gruppo importante: l'aveva già fatto agli inizi di carriera e in un fortunato tour dei primi anni '70, con i New Trolls, ma quando la cosa si seppe, più d'uno storse il naso.

Ma come…. Mettere mano classicissimi della canzone italiana d'autore come "Il pescatore" o "la canzone di Marinella"? Sarebbe come fare i baffi alla Gioconda, disse qualcuno…

Ma insomma, Francone Mussida e i suoi amici ci si misero di buzzo buono e alla fine presentarono a Fabrizio qualcosa di straordinario. Da quel lavoro, uscirono un tour rimasto nei ricordi di chi vi assistette e questo doppio album (uscito anche come due dischi singoli) assolutamente strepitoso.

"Bocca di rosa", "Via del Campo", "La guerra di Piero", "La canzone di Marinella", "Il pescatore", "Rimini" erano ringiovanite, rivitalizzate senza tradirne minimamente lo spirito originale.

Per qualche sorta di miracolo in queste nuove versioni c'era tutta la poesia di Fabrizio e tutta la genialità musicale che la PFM aveva già abbondantemente dimostrato soprattutto nei suoi primi album.
I vecchi classici che tutti amavano vennero riproposti in maniera talmente nuova ed elettrizzante, che durante i concerti non si riusciva mai a capire, dalle prime note, di che canzone si trattasse.

Una sorpresa continua ed entusiasmante. Gli stessi musicisti, poi, nelle esecuzioni, riuscivano a ritagliarsi piccoli preziosi spazi virtuosistici, come l'assolo di chitarra di Mussida in "Amico Fragile" (che lo stesso Mussida reputa uno dei suoi migliori mai incisi) o quello di fisarmonica di Premoli in "Un nano".

Il lavoro fu talmente apprezzato di De Andrè che molti di questi arrangiamenti sarebbero stati adottati negli anni a seguire, quando il cantautore genovese avrebbe riproposto con altri gruppi queste stesse canzoni. Album da antologia, dunque, grazie ai brani di De Andrè e alle idee della Premiata.

Voto 8

Lucio Mazzi

ROGER CHAPMAN Live Opera House Newcastle 2002 – 2009

2010-03-05T08:27:00.004+01:00

Meglio chiarirci subito. Se vi piace il pop-rock vecchio stile suonato e cantato come Dio comanda, questo disco fa per voi. Diversamente non proseguite nella lettura.

Roger Chapman, classe 1942, è sulla scena da più di quarant’anni, ed è stato uno dei protagonisti della prima scena progressive inglese di fine anni ’60 / inizio ’70 con i Family, band tra le più originali del panorama, tra i primi ad introdurre nuovi suoni con strumenti atipici come violino, flauto, vibrafono e sax, per una proposta sonora di alto livello. Con il chitarrista Charlie Whitney, Chappo (come lo chiamano i fans) ha scritto brani che ancora oggi reggono l’usura del tempo.

Poi sciolti i Family, e dopo una breve parentesi con Streetwalkers (band allestita con Whitney) il nostro è emigrato artisticamente in Germania dedicandosi ad una intesa e proficua attività come solista, insieme alla fedele band Short List, che schiera ottimi musicisti.

Dire che in Italia Chappo sia seguito da una piccola schiera sarebbe un eufemismo, anche se chi scrive contribuì alla sua partecipazione al Castel San Pietro in Blues del 2006, dove fu ben accolto. Questo live è stato registrato nel 2002 in occasione del 60° compleanno di Chappo, all’Opera House di Newcastle per l’occasione sold out.

Nei due dischi Chapman non si risparmia, con quel suo caratteristico vibrato che ha contribuito a rendere la sua voce inimitabile (e da quale tanto ha imparato il primo Peter Gabriel, per dire), trascinando la band ed il pubblico, che reagisce entusiasta. Qui non ci sono inutili orpelli elettronici, ma tanta voglia di divertirsi e divertire, perché il rock deve essere così e Chapman l’ha capito da tempo.

Il repertorio varia da brani della produzione solista ad una manciata di vecchi hit dei Family, su tutti “The weavers answer” (da “Family Entertainment”, secondo splendido disco della band del 1969) che poggia su un impatto ritmico di assoluto livello e coloriture melodiche di grande interesse anche con il violino. E ancora, “My friend the sun”, “Burlesque” e “In my own time”, sempre del vecchio gruppo, fino a “Shadows on the wall” in cui Chappo prestò la voce ad un singolo di Mike Oldfield. Poi, tra brani originali come “Kiss my soul” e “X Town”, spiccano due cover da antologia: “Down bond train” di Chuck Berry e “Blind Willie McTell” del Dylan meno frequentato ma non certo minore, anzi. Due perle, diversissime, che mettono in luce la capacità di Chappo di trovarsi a proprio agio anche in altri ambiti sonori.

Una citazione per la band: Henry Spinetti batteria, Steve Simpson chitarra e violino, Ian Gibbons tastiere, Andy Hamilton sax, Gary Twiggs basso. Insomma, per non farla più lunga, è un disco da ascoltare e che merita voti alti.

Consigli per l’acquisto: se non lo trovate sotto casa (come è probabile), www.angelair.co.uk/sjpcd298.htm
e www.spincds.com sono due siti inglesi molto affidabili.

Voto 8

Gianni Gherardi

Comicoperando tribute to music of Robert Wyatt - Modena Teatro Comunale Pavarotti 1 marzo 2010

2010-03-03T15:08:00.005+01:00

Inizia a collaborare a Rock Type Gianni Gherardi, giornalista, critico di Repubblica e dell'Ansa, uno dei maggiori esperti di jazz e blues. Benvenuto. Questa volta l'abbiamo spedito a Modena...

Un’operazione interessante, quella di riunire nove musicisti della scena inglese per un tributo a Robert Wyatt scegliendo dalla sua pluriennale produzione brani proposti e riarrangiati, quella che è andata in scena in prima assoluta a Modena, prodotta da ExB con il supporto delle istituzioni, assessorato alla cultura della Regione in testa. Interessante ma rischioso e così è stato.

Bello vedere sul palco nomi storici tra quelli che hanno scritto pagine importanti del pop-progressive-jazz britannico impegnati a rendere omaggio al fondatore dei Soft Machine e dei Matching Mole, che viste le sue condizioni di salute (Wyatt dal 1973 è su una sedia una rotelle per un brutto incidente) non ha potuto presenziare anche se ha mandato la sua benedizione per lettera. Bello sì ma con qualche sbavatura di troppo, crediamo forse per le poche prove effettuate dalla formazione.

Perché la scrittura di Wyatt è particolare, non segue gli schemi consueti del pop-folk-jazz, così come quel suo canto ondulante, a volte anche troppo sghembo ma che con lui diventa affascinante, fatto da altri diventa uno sterile esercizio.
Ben accolti da un benevolente pubblico over 40 che ha gremito il teatro, i protagonisti hanno offerto una prova di luci ed ombre, ma in fondo è giusto così.
Dagmar Krause voce, Richard Sinclair voce (e poco basso elettrico), Gilad Atzmon ance, Annie Whitehead trombone, Michel Delville chitarra synth, Alex Maguire pianoforte e tastiere, John Edwards contrabbasso, Chris Cutler batteria e Cristiano Calcagnile percussioni (poco rifinitore e in pratica secondo batterista) si sono impegnati in quella che in fondo era una festa per celebrare Wyatt ed è stato un bene che sia stata tale.

Nessuno si aspettava l’evento irripetibile. Certo alcuni sono parsi una spanna al di sopra della media (come Whitehead, mai banale nelle improvvisazioni, e Cutler), altri sono stati una piacevole scoperta (l’israeliano Atzmon, che ha cominciato a collaborare con Wyatt solo da 7-8 anni, Maguire fine tessitore o il bel lavoro di Edwards), ma Sinclair e soprattutto la Krause, a cui spettava l’onere delle parti vocali, sono parsi spesso fuori registro, quasi intimiditi, in particolare la signora ex Slap Happy.
Così solo in alcuni momenti si è apprezzato l’insieme, altrove l’ironia, in una carrellata di brani di varie ‘epoche’ ma con must come “Sea song” e soprattutto “O Caroline” (cantata male), passando per “Maryan”, “Alliance”, “Memories”, i due “Little Red Robin”, “Just as you are” e “Calyx”.

Certo la scuola di Canterbury è stato altro e il tempo è impietoso, ma come si diceva una volta “è stato bello comunque”.
L’appuntamento è stato l’anteprima del festival “L’Altro suono”, che dal 20 aprile al 22 maggio si snoderà in altri cinque concerti all’insegna della trasversalità dei generi, con in chiusura il debutto assoluto di “4 Skies” un progetto speciale di Arto Lindsay, con quartetto e Filarmonica Toscanini, commissionato dal festival Angelica, che la sera prima (il 21) sarà presentato al teatro Rossini di Lugo (Ravenna).
La foto è di Rolando Paolo Guerzoni
Voto 7
Gianni Gherardi

Ciao Pa' Baron

2010-02-26T16:38:00.003+01:00

Rock Type saluta Adriano "Pa' Baron" Baroni spentosi oggi a 76 anni.
Fondatore nel 1988 del Chat Baker, uno dei più noti jazz club di Bologna e d'Italia, ha portato in città grande jazz.
Ci mancherà la sua tavola alla quale sedevamo come a quella di casa nostra e ci mancherà lui a capotavola a sparare su tutto e tutti.

Ciao Pà Baron, salutaci Chet, Charlie, John, Jaco e tutti quelli che incontrerai lassù.
Il jazz non ti mancherà.

Festival della Canzone Italiana di Sanremo - 2010

2010-02-21T14:31:00.001+01:00

Sanremo è andato come doveva andare.

Io l'ho detto e l'ho scritto (su qualche forum) sabato mattina: se vota una giuria in sala se la giocano Irene Grandi e Malika, se vota il pubblico vincerà un nazional-popolare. E occhio al piazzamento del fuoriuscito di X Factor, che la Rai deve pareggiare i conti con il Carta dell'anno scorso, fuoriuscito da Amici.
In quel momento non sapevo esattamente i meccanismi del voto, ma direi che le cose sono andate esattamente così.

Il "trio principino" è arrivato secondo e non mi stupisce affatto: questo è il paese che ha comprato oltre un milione di copie de "L'italiano" di Cutugno o di "Italia" di Reitano. E la canzone del piccolo Savoia (orribile, certo) su cui quel vecchio marpione di Pupo si è gettato a pesce (mica a caso!) non è certo peggio di queste. Terzo è arrivato lo strillatore di X Factor Mengoni, e primo Valerio Scanu, il faccino carino che piace alle mamme e alla figlie. Tutto assolutamente regolare.

Dunque rivince Amici (nel cantante e nell'autore della canzone), magari qualcuno lo può vedere come un risarcimento alla NON controprogrammazione di Mediaset, io invece lo vedo come un risultato che rispecchia perfettamente i gusti del pubblico tipico di Sanremo: faccino carino (l'ho detto), canzone "melodica all'italiana" neanche orribile, tutto molto "innocuo" e nazionalpopolare.
Non mi stupirei se la casa discografica pubblicasse anche la versione-duetto con Alessandra Amoroso, molto ben fatta e molto migliore dell'originale.

Giusto, parliamo delle canzoni... In generale, un festival mediocre con canzoni fiacche anche quando cantate bene (bruttina quella di Malika, la solita baustellata quella di Irene Grandi, anonima quella di Irene Fornaciari, un po' "vorrei (fare del soul) ma non posso" quella di Noemi...) e non perfettamente centrate anche quelle costruite per candidarsi a prossimo tormentone (quella di Arisa ha un buon ritornello, ma il resto non funziona, non si incolla al cervello, non resta: vedremo se funzionerà in radio).
Scivolano nell'oblio tutte le altre.

In generale niente per cui strapparsi i capelli, niente da consegnare alla storia della canzone italiana, pur in una dimensione assolutamente pop (chè la musica di grande qualità non va certo cercata a Sanremo). Niente che personalmente abbia particolarmente apprezzato.

Di quei personaggi che fanno un Sanremo, scompaiono per un anno, ritornano a Sanremo (magari fra un po' di polemiche, sennò chi se ne accorge), riscompaiono per un anno, volutamente non parlo. Ci sono sempre stati questi cantanti, in ogni epoca, ma occuparsene è tempo perso.
Lucio Mazzi

PETER GABRIEL - Scratch my back - 2010

2010-02-15T09:59:00.002+01:00

Sgombriamo il campo da un equivoco. Per chi scrive Gabriel è un genio fin da quando si infilava due ali di pipistrello in testa e cantava "Watchers of the skyes". Per dire.
Tuttavia parlando di questo ultimo disco, cercherò di non farmi influenzare da preconcetti.

Dunque, questo disco è il prodotto di un genio.
Ora, mi si potrà anche dire che quella di fare un album di cover non è certo un'idea geniale (nè tantomeno originale), come non è geniale portare l'orchestra su spartiti rock. Ma neanche dipingere un ritratto di donna lo era, però Leonardo ne ha cavato la Gioconda...

Dunque cover, cover rock che rinunciano a tutti gli strumenti del rock per appoggiarsi unicamente ai suoni, quasi sempre rarefatti di un'orchestra sinfonica (a volte del pianoforte). Rinunciando, anche qui, a tutto ciò che avrebbe facilmente potuto sostituire gli strumenti lasciati (contrabbassi per il basso, timpani e piatti per la batteria, violini e fiati per le chitarreecc.). Perchè l'idea era proprio produrre musica da camera del XXI secolo.

Musica da ascoltare smettendo di fare qualsiasi altra cosa, musica che richiede ascolti ripetuti perchè di quel tipo sempre più raro che ad ogni ascolto rivela di sé qualcosa di nuovo.

Bene, un'operazione completamente in controtendenza in un presente musicale in cui i tempi radiofonici e la fenesia della vita attuale pretende che una canzone dica tutto nel minor tempo possibile per poi passare ad altro.

E ancora non siamo entrati nel merito delle canzoni, delle cover.
E non lo faremo, perché davvero a me non interessa minimamente fare il confronto tra questa versione dolente di "Heroes" e quella di Bowie, tra questa sospirata e drammatica "Apres moi" e l'originale di Regina Spector: queste sono le nuove canzoni di Gabriel, sapere come le interpretasse chi le ha scritte o per primo le ha cantate mi interessa quanto sapere come avrebbe suonato Chopin un suo Notturno ascoltandone l'esecuzione di Pollini: niente.

Mi interessa invece sapere da quest'album che Gabriel forse non ha mai cantato così bene, che tutte queste canzoni, da questa operazione vengono incredibilmente nobilitate, che tutte acquistano una cifra stilistica uniforme e sembrano scritte da chi così le ha trasformate (Gabriel, ma anche il produttore Bob Ezrin e soprattutto il compositore/arrangiatore John Metcalfe (ex Durutti Column), onore a loro) e ora le canta.

Sembra una frase fatta, ma questo è un disco riservato unicamente per chi alla musica chiede ancora emozioni e non solo divertimento o energia, o ritmo, o qualsiasi altra legittima sensazione.
Qui non c'è nè energia, nè divertimento nè ritmo, ma una mano che ti artiglia il cuore perché solo può farti capire se sia ancora vivo.
Occhio al voto, perchè di simili qui sopra non ne vedrete molti altri.

Voto 10/10

Lucio Mazzi

GIGI VESIGNA - Vox populi - ed. Excelsior 1881, 2010

2010-02-09T16:39:00.004+01:00

Un altro libro su Sanremo. Perchè no, dopo tutto?
Di libri sul Festivalone ne sono usciti tanti, qualcuno anche inutile, ma ognuno aggiunge qualcosa di più.
E questo di Gigi Vesigna è tutto tranne che superfluo.

Sanremo quest'anno compie 60 anni, l'ex direttore di "Sorrisi", di Festival ne ha vissuti 50, ha dunque tutte le carte in regola (direbbe Ciampi) per raccontarci qualcosa che non sappiamo ancora. Nell'89 aveva pubblicato sull'argomento un interessante libretto (ora introvabile) che qui amplia a dismisura: circa 650 pagine per trasformare l'istituzione musicale più importante d'Italia in un autentico romanzo dai mille protagonisti e dalle mille vicende.

Un libro perfetto per quanti credono che il festival negli anni non sia stato (e non sia oggi, nonostante i tanti tentativi di suicidarlo) solo una passerella di cantanti e una carrellata di canzoni.

Perchè di fatto Sanremo è sempre stato lo specchio fedele della società italiana, anno dopo anno, moda dopo moda. E leggere qui ciò che, edizione dopo edizione, è successo nella Città dei Fiori (scandali, retroscena, capricci, trucchi, vittorie annuciate e sconfitte inaspettate), non dice solo tutto quello che del Festival avreste voluto sapere e non avete mai osato chiedere (direbbe Woody Allen), ma anche molto, moltissimo, dell'Italia stessa. E non è mica poco.

Per chi, come noi, ama il Festival questo rischia di essere quasi il libro definitivo sull'argomento, per chi (tapino) lo odia e l'ha sempre odiato, in questo libro null'altro troverà che fiumi di parole (direbbero, ovviamente, i Jalisse).
Ma loro il Festival non lo meritano.

voto 8/10

Lucio Mazzi

We will rock you - Bologna, 7 febbraio 2010

2010-02-08T10:50:00.006+01:00

Un musical è una rappresentazione fatta di canzoni e parti recitate
"We will rock you" è un musical.
Qui stanno i suoi problemi.

Il musical che celebra la vicenda musicale dei Queen presenta una storia decisamente assurda costruita nel modo più artificioso possibile per "legare" insieme il maggior numero di canzoni di Freddy Mercury e compagni. Questo non sarebbe neanche il peggio: anche se la vicenda della "Global soft", della sua "capa" Killer Queen e del suo direttore Kashoggy in lotta contro improbabili ribelli che rifiutano l'abolizione della musica sul pianeta (!), a volte sfiora l'autentica idiozia, per "giustificare" le canzoni, alla fine, un trucco vale l'altro.

Il fatto è che si immagina che la quasi totalità del pubblico accorra allo spettacolo attirato dalla musica, non dalle parole, invece alle parole viene lasciato uno spazio immenso. Con sproloqui infiniti, dialoghi al limite del demenziale e spesso portatori di comicità involontaria, e un recitazione (penso volutamente) sempre sopra le righe che alla fine stanca. E parecchio.

Mettiamola così: se dalle tre (!) ore di spettacolo ne venisse potata una di chiacchiere probabilmente non si lamenterebbe nessuno.

Perchè chi è venuto per la musica di sicuro non va via deluso.
Le canzoni (un sacco di canzoni, tutte quelle che vi aspettate di ascoltare) sono presentate con esecuzioni per cui non è esagerato spolverare gli aggettivi delle grandi occasioni. Dal punto di vista vocale e strumentali, assistiamo a qualcosa di assolutamente straordinario.

Gli arrangiamenti sono aderenti agli originali, ma, giustamente, non li "fotocopiano", la band (che suona dal vivo, ma si scopre solo alla fine) è assolutamente fantastica per coesione e capacità tecniche, i cantanti, tutti, potrebbero far letteralmente impallidire (o arrossire di vergogna, a scelta) non solo qualsiasi osannato vincitore di qualsiasi osannato talent show, ma buona parte di quanti oggi calcano il palco da star. Le esecuzioni, soliste o corali, hanno i crismi della perfezione.

Insomma la parte musicale di "We will rock you" è semplicemente memorabile, addirittura in grado di far digerire quella parlata: questo spiega le ovazioni finali del pubblico come quelle al termine di ogni esecuzione.

Un consiglio ai produttori. Terminato questo tour, prendete in considerazione di proporre queste canzoni in forma di concerto: stessa band, stessi solisti, stesso coro, stessi bei costumi, stesse coreografie, ma niente chiacchiere: avreste un successo ancora superiore a quello, clamoroso, che oggi sta raccogliendo il musical. Provare per credere

Voto alla cmponente musicale 10/10

Voto alla componente testuale 3/10
Voto allo spettacolo 7/10

Lucio Mazzi

CAST:
Galileo è, alternativamente, Gianluca Merolli e Salvo Vinci, Scaramouche è Marta Rossi e Martina Ciabatti, Killer Queen è Valentina Ferrari, Khashoggi è Salvo Bruno e Carlo Spanò, Brit è Paolo Barillari, Pop è Massimiliano Colonna, Oz è Mary Dima e Loredana Fadda.
La band: Roberto Zanaboni (direttore e tastiere), Davide Magnabosco e Giovanni Maria Lori (tasterie), Tristan Avakian e Andrea Cervetto (chitarra), Linda Pinelli (basso), Alex Polifrone (batteria) e Marco Scazzetta (percussioni).
Traduzione del testo e adattamento italiano: Raffaella Rolla e Alice Mistroni.
Regia: Maurizio Colombi.

FRANZ CAMPI - "Sono Fred dal whisky facile" - Bologna,T.Duse, 3 febbraio 2010

2010-02-04T18:54:00.001+01:00

50 anni fa moriva Fred Buscaglione. Dopo una carriera di giusto un paio d'anni che portò in cima alle classifiche un pugno di singoli ("Che bambola" fu il primo 45 giri a sfiorare il milione di copie). Vi sono personaggi che hanno avuto carriere più lunghe e intense, ma il cui ricordo si è perso. La canzoni di "Fred dal whisky facile", invece sono rimaste nell'immaginario collettivo. Va a capire il perché...

Così benissimo ha fatto il bolognese Franz Campi a riportare il suo personaggio e la sua musica sulle scene. E' successo il 3 febbraio (ieri, insomma), proprio in occasione dell'anniversario dell'incidente d'auto che lo rapì al mondo e lo consegnò alla storia. Lo spettacolo è stato presentato in prima nazionale al teatro Duse di Bologna, degna cornice per un lavoro importante, tra musica e teatro (testi di Rino Maenza che ha prodotto la piéce e Eros Drusiani che l'ha diretta).

Una bella serata con i pregi e i difetti di tutte le "prime".
Bellissime le canzoni, benissimo Franz. Il musicista si è perfettamente calato (verrebbe da dire "identificato") nella parte virando anche la propria voce verso inaspettate (e appropriate) raucedini, bene anche nella gestualità e nella componente attoriale della sua performance. Come lui, benissimo la partner Barbara Giorgi che, per essere un'eccellente vocalist, accetta di cantare poco (giusto un paio di pezzi) e mettersi molto a servizio dello spettacolo. Benissimo una band perfetta nello swing e puntualissima nelle esecuzioni (con una nota di merito per il batterista Ernesto Geldes Illino, funambolico e misurato al tempo stesso: sembra una contraddizione ma nel suo caso non lo è).

Un po' meno bene i testi, a volte prolissi (ma basta un po' di lima per renderli più ficcanti ed incisivi), e la recitazione a volte un po' troppo "di maniera" (ma qui hanno sicuramente giocato la desuetudine al ruolo dei due protagonisti e la tensione per la prima). La regia ha fatto il massimo per vivacizzare una scena (volutamente?) scarna che, ad esempio, proiezioni "ad hoc" (filmati d'epoca, non necessariamente di Buscaglione, insomma) potrebbero arricchire.

Alla fine, un lavoro eccellente che merita di girare a lungo per l'Italia, perchè in molti meritano di assistervi.
Voto 8/10
Lucio Mazzi

VAN DER GRAAF GENERATOR - The Least We Can Do Is Wave To Each Other - 1970

2010-01-31T19:27:00.001+01:00

Un lettore chiede qualcosa sui VDGG ed eccolo accontantato... Se avete altre richieste...

Nei primi anni '70 i dischi mica arrivavano facilmente in tutto il mondo come oggi. Un album usciva in America e prima di vederlo in Italia (se lo si vedeva!) potevano anche passare mesi. Ma i giovani di allora c'erano abituati perché i loro fratelli maggiori avevano fatto anche più fatica con il beat e il Rock'n'roll. Un disco assolutamente mitico di cui si favoleggiò per mesi era il primo album dei Vand Der Graaf Generator, gruppo progressive inglese. Di questo fantomatico "Aerosol Grey Machine" (del 1969) si dicevano meraviglie, ma nessuno in Italia l'aveva sentito (arrivò anni dopo). Così quando nei negozi, nel 1970, arrivò "The least we can do is wave to each other", tutti si precipitarono a comprarlo: si era parlato così bene del (mai sentito) predecessore….

E fu una bella sorpresa per tutti quanti avevano sentito parlare dei Van der Graaf senza mai sentirne una nota, perché il disco era (e sarebbe sempre stato considerato) un lavoro "importante". Ancorchè assolutamente non facile.

Diciamocelo: se dopo l'iniziale "Darkness" non arrivasse la tranquillizzante introduzione di "Refugees", quanti scappeerebbero a gambe levate da questo disco? Perché "Darkness"- comunque in qualche modo la quintessenza del lavoro dei primi VDGG - possiede una tale carica di plumbea e opprimente oscurità, da cancellare qualsiasi colore l'ascoltatore abbia nella mente. E qui non si parla di grigio, quel noioso piattume con cui tanta musica mediocre annebbia la mente di chi ascolta, ma di nero, un nero che ha i toni della disperazione dei sax distorti del finale, della voce glaciale di Hammill, della ritmica incalzante e inesorabile…

Quanto generazioni di gruppi dark hanno imparato da questo brano e da questo disco… che poi prosegue, magari stemperando leggermente i toni, ma sempre su una magia oscura che non lascia all'ascoltatore molti squarci di luce tranne forse la sola "Out of my book", una canzone semplice eppure "destabilizzata" da tastiere e flauto.

E il finale di "After the flood" che chiude il disco dopo l'ennesima furiosa battaglia di sax, dopo che perfino la voce di Hammil viene trascinata nel gioco delle distorsioni, giunge talmente improvviso che per un attimo il silenzio ferisce le orecchie. E lascia un sapore forte in bocca. Non un sapore dolce, certo, ma un grande sapore.

Voto 9/10

Lucio Mazzi

THE SWELL SEASON - Strict joy - 2009

2010-01-27T09:01:00.006+01:00

C'era una volta...- Un re! - diranno subito i miei piccoli lettori.
No ragazzi, avete sbagliato. C'era una volta.... un FILM!
La pellicola in questione è "Once" del 2006. Gli interpreti sono due musicisti sconosciuti, Glen Hansard e Markéta Irglová.

Si innamorano sul grande schermo e nella vita. Ma la storia li ricorderà soprattutto per aver composto ed interpretato la splendida soundtrack che vede, come titolo più importante, "Falling Slowly", pezzo morbido ed ultraromantico che, oltre a spezzare milioni di cuori, ha permesso loro di guadagnare addirittura il premio Oscar come migliore colonna sonora.

Non male per una produzione indipendente con poche pretese! I due galvanizzati dal successo, decidono di dare un seguito all'album di esordio, quindi, con il nome d'arte di Swell Season, danno alle stampe la loro seconda opera, "Strict Joy".

La formula rimane inalterata: morbide ballate acustiche, raffinate nella composizione e nell'arrangiamento e caratterizzate da dolci intrecci vocali. La chitarra di Hansard e il pianoforte della Irglová sono come al solito, minimali, quasi nascosti dentro l'arrangiamento (presenti anche una sezione ritmica, fiati e un violino) ma hanno un peso specifico enorme nell'economia delle canzoni.

In questo album è Hansard a farla da padrone con ben 10 pezzi firmati in solitudine, tra cui spiccano l'iniziale “Low rising” con il suo incidere dylaniano, la dolcissima “In these arms” (“use the truth as a weapon/to beat up all your friends” l'illuminante incipit), le più ritmate “The rain” e “High horses”, e “Love that conquers” nella quale i nostri eroi vestono i panni di novelli Simon&Garfunkel, riuscendo nella difficile impresa di essere credibili.

Due musicisti di strada sconosciuti conquistano il mondo? E' una favola quindi? No, perchè manca il lieto fine. Contemporaneamente all'uscita di “Strict joy” il duo annuncia infatti la fine del legame sentimentale. La copertina che li ritrae di profilo, ognuno con lo sguardo fisso verso direzioni opposte sembra una sottile metafora oppure uno scherzo del destino. L'album invece non è né uno ne l'altro, ma solo il frutto dell'opera di due musicisti di genuino talento. Da ascoltare.
Voto 7/10
Marco Baxa

MIKE OLDFIELD - Tubular bells - 1973

2010-01-23T17:16:00.006+01:00

Parlando del libro di Follero (qui sotto) ho accennato a "Tubular Bells", album per me assolutamente fondamentale nella storia del rock. E allora perchè non parlarne un attimo? Fu, alla sua uscita, qualcosa di veramente... nuovo.

Perché ralizzare un brano strumentale di 49 minuti, anche nei "progressivi" primi anni '70 era sicuramente una scommessa. Poteva accettarla solo una piccola etichetta votata all'alternativa e alla sperimentazione, così nel '73, la neonata Virgin consegnò ad uno sconosciuto musicista per nove mesi uno studio di registrazione e il risultato furono i dieci milioni di copie vendute di "Tubular Bells".

Detto così sembra niente, ma chi mai poteva prevedere che un'operazione del genere avrebbe avuto un tale successo commerciale? Alla Virgin dovevano essere pazzi o geni, in ogni caso la faccenda funzionò talmente bene che quel lungo brano che incatenava in un impercettibile crescendo, che avvolgeva nelle spire dei suoi mille temi che si intersecavano, comparivano e scomparivano, che affascinava con suoni anche desueti e soprattutto con l'impasto sonoro che derivava dalla loro fusione, funzionò splendidamente. "Tubular bells" divenne in poco tempo uno dei momenti musicali più sfruttati e saccheggiati da cinema (la colonna sonora dell'Esorcista), televisione (innumerevoli sigle e sottofondi), pubblicità, ecc. ma per Oldfield fu una autentica maledizione.

Come spesso succede, esordire con un trionfo sistema il conto corrente, ma ti marchia per sempre. Dopo le campane tubolari, Oldfield proseguì con questo genere di operazioni musicali realizzando almeno due album eccellenti come "Ommadown" e "Hergest ridge", ma poi perdendo smalto e interesse da parte del pubblico. L'unica soluzione che allora seppe trovare fu "pistiare e ripistiare nello stesso mortaio".

Così di Tubular Bells ora si contano una quantità indefinita di versioni, ricostruzioni e riedizioni in studio e dal vivo, più sequel di Rocky e forse solo una che meriti veramente il plauso, quella orchestrale realizzata da David Bedford e la Royal Symphony Orchestra in grado di mettere in luce risvolti musicali che la versione originale nascondeva. Tuttavia la cristallina, semplice perfezione di quel primo capitolo non sarebbe più stata raggiunta restando tanto più lontana quanto più disperatamente veniva ricercata.

Voto8,5
Lucio Mazzi

DANIELE FOLLERO - Concept album - Odoya 2009

2010-01-21T14:17:00.004+01:00

La casa editrice bolognese Odoya si lancia nella pubblicistica musicale con alcuni titoli di grande interesse (di cui parleremo). Molto bene, perchè di roba scritta con competenza sulla popular music e i suoi protagonisti c'è sempre bisogno. Uno dei primi titoli pubblicati da Odoya viene a riepire un vuoto curiosamente lasciato dall'editoria mondiale: lo studio dei concept album.

Di cosa si tratta lo sappiamo: quegli album che soprattutto (ma non solo!) in ambito progressive raggruppavano i propri brani attorno ad un tema comune. Una faccenda un po' più complicata di questo, in effetti, di cui si occupa con la consueta competenza Daniele Follero, uno dei redattori di www.sentireascoltare.com, sito di altissimo livello (a volte addirittura "troppo alto") dedito allo studio della popular music.

Il libro si occupa dell'evoluzione di questa particolarissima forma musicale/discografica e, sicuramente nell'impossibilità di "occuparsi di tutto", opera delle scelte che alcuni troveranno discutibili. Ad esempio vengono trascurati moltissimi dischi "importanti" ("Tubular bells" di Mike Oldfield, "Berlin" di Lou Reed, "Mellon collies" degli Smashing Pumpkins, e in Italia "Felona e Sorona" delle Orme o "Automobili" di Dalla, solo per esemplificare) a favore di altri che potrebbero essere considerati "minori", tuttavia le analisi proposte dall'autore (che è poi quello che conta) appaiono centrate e in alcuni casi in grado di aprire le porte ad ulteriori riflessioni sull'argomento.

Un'opera prima, potremmo considerarla, cui non sarebbe male dare presto un seguito che lavori sull'approfondimento e su una maggiore completezza.
Voto 6,5/10
Lucio Mazzi

DAVID RAPHAEL - La cover di una cover

2010-01-21T14:16:00.001+01:00

Cose e genti interessanti che si incontrano vagando per il web.
Mr David Raphael, ad esempio. Che si definisce "Writer. Designer. Traveller."

David Raphael non ha neanche un sito proprio, ma solo un "profilo" su http://genesislive.ning.com/profile/DavidRaphael. Di lui non sappiamo proprio niente, tuttavia qui è possibile vedere alcuni dei suoi lavori. Che consistono nel "ridisegnare" (in maniera straordinaria) le copertine dei dischi, in particolare dei Genesis. Giusto perché, evidentemente, i Genesis sono la sua band preferita.

Cover delle cover, insomma. Il sito ne presenta alcune di grandissima bellezza nelle quali il disegnatore è riuscito, a parer mio, a cogliere perfettamente lo spirito assolutamente unico della musica del gruppo (soprattutto nel "periodo Peter Gabriel", of course). Gli appassionati della band, che avranno già immediatamente riconosciuto quelle cui si riferiscono le "rielaborazioni" che ho pubblicato qui sopra, sono invitati a dare un'occhiata.
Lucio Mazzi

STING - If on a winter's night - 2009

2010-01-21T14:14:00.002+01:00

Ancora Marco alle prese col meglio del 2009
Qualche anno fa Sting disse che il rock era morto e sepolto ed era necessario cercare altrove l’ispirazione per creare musica nuova. Sinceramente ho sempre pensato fosse una stronzata fino a quando non ho ascoltato questo lavoro e ho capito.

E’ un disco senza tempo, intenso, magico e spettrale; riesce a farti sentire il calore del camino e il freddo della neve che scende. Le melodie giocano tra il medioevale e i tradizionali celtici, arrangiate con attenzione e grande gusto. Grande cura è stata riservata alla registrazione delle voci, un impasto davvero efficace dal quale spicca, per carisma e “saggezza”, la voce dell’ex Police.

L’album tocca le corde dell’anima e rimane lì nascosto in un angolino. Le perle sono la tradizionale “The snow it melts the soonest” e “ The hounds of winter”. Opera destinata a resistere al tempo.
Voto: 7,5/10
Marco Baxa

DAVE MATTHEWS BAND - Big Whiskey & the GruGroox King – 2009

2010-01-21T14:13:00.003+01:00

Prosegue l'analisi di Marco sugli album migliori del 2009. Stavolta tocca a mr. Dave Matthews.
La DMB è da sempre la formazione rock più “improbabile” che esista. Si possono far impazzire le folle con due chitarre acustiche, un sax e un violino? La risposta è assolutamente sì…

Soprattutto se alla formula aggiungi una sezione ritmica da togliere il fiato e un songwriting di primissima qualità! Anche se pesa l’assenza del sassofonista Leroi Moore, morto in un incidente poco prima della registrazione, l’album risulta uno dei più riusciti della band dai tempi di “Crash” (1996).

Da mozzare il fiato il tempo dispari di “Shake me like a monkey” e di “Why i am” dove emerge la vera natura “jam” della band. “You and me” e “Baby blue” ricordano invece che Dave Matthews ha anche un’anima acustica, splendente e luminosa. Uno dei più bei dischi del 2009.
Voto 7/10
Marco Baxa

PORCUPINE TREE - The incident - 2009

2010-01-21T14:04:00.001+01:00

Da oggi comincia a collaborare con Rock Report Marco Baxa, che con le parole ci sa fare quanto con la musica (a fianco il link al suo sito). Questa è la prima di una serie di recensioni sugli album migliori del 2009.
Benvenuto!

E chi l'ha detto che il progressive è morto o è rimasto incastrato in lunghissime e noiosissime suite? Steven Wilson, autore fecondissimo (il suo album solista "Insurgentes" e il progetto parallelo live con i Blackfield "NYC" sono altre ottime uscite del 2009) riesce nell'impresa di sfornare un disco moderno ma con gli occhi rivolti verso un glorioso passato.

La scommessa può dirsi vinta. Rispetto a "Deadwing" e "Fear of a blank planet" emerge da subito una preferenza per i suoni più esplicitamente metal pur rimanendo all'interno di una formula "vintage". Come al solito da standing ovation la batteria di Gavin Harrison, vera" locomotiva" all'interno del sound del gruppo. La prima parte del disco (doppio) si sviluppa come un'unica lunga suite in 15 parti che, come da tradizione, alterna momenti di assalto puramente metal a situazioni più lisergiche e riflessive caratterizzate dalle chitarre acustiche di Steven Wilson e dalle tastiere, in molti casi anche troppo "Pink Floyd style" di Barbieri, ex Japan. I Porcupine Tree mi ricordano sempre di più quelle caramelle che mangiavamo da bambini, all'apparenza dure e impossibili da masticare ma che svelano un po' alla volta un dolcissimo e morbido ripieno. Da ascoltare (possibilmente in vinile).
Voto 7,5/10
Marco Baxa

INTI ILLIMANI - Viva Chile - 1973

2010-01-21T12:12:00.002+01:00

In attesa di qualche uscita eccellente di cui parlare (ma se volete segnalare qualche gioiello nascosto, sono qui...) e siccome mi è capitato di reimbattermi in questo disco, ecco qui qualcosa veramente (oggi) fuori dal tempo. Ma che a qualche giovinetto potrebbe riservare sorprese. Dico fuori dal tempo ma forse non è vero. Allora in certe cose si credeva veramente, si dice, perchè adesso no? Ci si crede magari in maniera diversa, per questo certe cose ascoltate oggi potrebbero anche colpire di sorpresa e trovare un punto scoperto.

Certo, allora era un impegno politico da gita scolastica il coro di "El pueblo unido jamas serà vencido", ma qualche cosa dentro ce lo faceva vibrare. Gli Inti Illimani erano la colonna sonora delle prime assemblee, di quello per cui impegnarsi (un minimo), quello in cui credere, quello che faceva incazzare i genitori e i professori, un'icona molto più di facciata che di sostanza (come il poster del Che appeso in cameretta, per intendersi), ma in qualche modo funzionava.

Poi c'era la musica. Altro che "musica andina, che noia mortale" come avrebbe cantato poco più tardi Dalla: questa musica piaceva un casino, era affascinante e divertente, portava sonorità desuete e melodie diverse, begli impasti vocali e ritmi morbidi su cui cullarsi. Non era certo aggressiva ma sicuramente neanche noiosa come diceva Dalla. Suggeriva suggestioni di paesi lontani, montagne e pianure, cieli tersi, molto più che molotov, barricate e lonb stadio-prigione di Santiago… Insomma, funzionava maledettamente bene anche in questo senso.

Gli Inti Illimani, esuli cileni dopo il Golpe, conobbero in Italia almeno 4-5 anni di popolarità immensa, per meriti politici, certo, ma anche per meriti artistici: di loro almeno tre dischi tra il 73 e il 75 sono piccoli capolavori: nell'ordine, questo "Viva Chile", "La nueva cancion chilena" con la mitica "El pueblo unido", e "Hacia la libertad" con quella "Canto a los caidos" che rappresenta una delle cose più belle ed emozionanti siano mai state scritte, cantate e suonate in questo ambito musicale.

"Viva Chile" fu l'album dell'esplosione del gruppo di Horacio Salinas, contiene alcune pietre miliari della storia del gruppo e di tutto quel genere musicale: la strumentale "Alturas", sigla di mille programmi radio TV, "Fiesta de San Benito", un vero manifesto musicale del gruppo, "Cancion del poder popular" e "Venceremos" corrispondenti manifesti politici, e poi la celeberrima "Simon Bolivar" che degli Inti Illimani non è, ma che appartiene ormai di diritto a tutte le popolazioni oppresse e ai loro cantori.

Passato quel periodo, molti hanno abbandonato le assemblee, hanno staccato dalle pareti il Che e dimenticato i dischi degli Inti Illimani, finendo per vedere quei momenti con un misto di tenerezza e imbarazzo. Ma la musica degli Inti Illimani, forse mai più ascoltata da allora, per tutti quelli non sarà mai una "noia mortale".
Su questo nessuna discussione.
Voto 7/10
Lucio Mazzi

CARLO MASSARINI - Dear Mr Fantasy - Rizzoli - 2009

2010-01-21T12:10:00.001+01:00

Carlo Massarini è uno di quei personaggi che ha attraversato (quasi) tutta l'epopea del rock. In qualche modo, dall'interno. Come fotografo, giornalista, autore radiofonico e televisivo, quello che nel rock (straniero e italiano, ma anche jazzrock, canzone d'autore, ecc.) è successo dagli anni '60 ad oggi lui l'ha vissuto molto da vicino. Beato lui. Questione di fortuna, buone occasioni, capacità e competenza. Tutto insieme perchè una componente senza le altre non conta nulla.
Questo è un po' il suo diario. Cioè, non è solo, purtroppo, il suo diario.

Perchè il librone (200 pagine, grande formato, 49 euro giustificati almeno dalle centinaia di foto, tutte sue, molte delle quali peraltro già viste su riviste e copertina di album) funziona benissimo quando si appoggia sui ricordi, svela retroscena, accende le luci dietro le quinte, molto meno quando si fa sorta di (superflua) "enciclopedia del rock" raccontando banali vicende biografiche di questo o quel gruppo o musicista reperibili ovunque in rete.

Poi, in realtà, fidarsi dei propri ricordi spesso è pericoloso: alcuni titoli di album e canzoni sono sbagliati, alcune date non tornano (e un minimo di editing da parte di chi se ne intende avrebbe ovviato tranquillamente a queste sviste), ma in realtà se questo può disturbare i "puristi", di fatto non cambia la sostanza di un libro comunque per larghi tratti estremamente interessante.
Voto 6,5/10
Lucio Mazzi

EQUIPE 84 - Stereoequipe - 1968

2010-01-21T12:08:00.002+01:00

Questo disco rappresenta un vero “caso” nella discografia italiana: uscito per la Ricordi, non è mai stato ristampato in CD, va a sapere perché. E seppure alcune sue celeberrime canzoni sono finite in innumerevoli raccolte dedicate al gruppo di Vandelli e Sogliani, altre non sono mai state ripubblicate in digitale. Cosa inspiegabile non solo per la qualità dei brani che esso contiene ma anche per le sue tante intuizioni e idee originali che sarebbe giusto riscoprire e rivalutare. E se anche in rete l’album è rintracciabile con il file sharing, sappiate che vcioò che trovate un disco “monco”, privo degli intermezzi musicali tra una canzone e l’altra che lo caratterizzano.
Ma adesso parliamone. E, beh, mettetevi comodi: ne avremo per un po’.

Venghino signori venghino. Di seguito apprenderemo come e qualmente la nostrana Equipe 84 sia legata indissolubilmente ai metallari australiani AC/DC, come e qualmente strumenti come oboe, sitar, tabla e fagotto siano finiti in una canzonetta, come e qualmente Gianni Pettenati abbia inconsapevolmente deciso di rinunciare a dare un bis al successo di “Bandiera gialla”…

Ma partiamo dall’inizio. Nel periodo d‘oro del 45 giri, l’album rappresentava una sorta di arco di trionfo del singolo, il coronamento del suo (eventuale) percorso di successo. Esattamente l’opposto di quanto succede ora, che il singolo è tratto dall’album che quindi ne rappresenta l’origine, anche se spesso ne è anticipato di qualche tempo.

Caso emblematico proprio questo “Stereoequipe”, primo disco della Ricordi ad essere pubblicato solamente in stereo e primo ad essere registrato su un 8 piste: l’album raccoglie, infatti, accanto ad alcuni brani inediti, i 45 giri usciti tra il marzo del 1967 e l'estate del 1968. In alcuni casi, canzoni di enorme successo.

Come, ad esempio quella “29 settembre”, già rifiutata da Gianni Pettenati che non vi credeva. La canzone, presentata in anteprima il giorno dopo essere stata incisa (prima ancora che fosse nei negozi, quindi) alla trasmissione pomeridiana di quiz per le scuole “Chissà chi lo sa” nel marzo ’67, rimase per 5 settimane al primo posto della Hit parade tra maggio e giugno. Il brano fu scritto da Battisti e Mogol senza il famoso “parlato-telegiornale” rivendicato poi da metà di quelli che a vario titolo vi lavorarono. Non è (più) un brano beat e dimostra come Battisti considerasse già superato un genere che ancora dava da mangiare a parecchi.
Lui era avanti.

Di “29 settembre” si sarebbe riappropriato, poi, lo stesso Battisti in una versione meno brillante di questa, e la stessa cosa sarebbe successa con “Nel cuore nell’anima”, bellissimo e sottovalutato brano per il quale, in questa versione, Mariano Detto rinunciò agli strumenti elettrici optando per un arrangiamento orchestrale dominato dagli archi.

Ok, si era già sentito il doppio quartetto d’archi di “Eleanor Rigby”, ma probabilmente questo è il primo esperimento in tal senso in Italia. Nella versione di Battisti, la canzone acquista una strofa introduttiva (a mio modestisimo parere, per nulla superflua) qua assente, ma rinuncia all’arrangiamento orchestrale. Difficile scegliere tra le due.

Già che si parla di Mogol-Battisti, va dato conto di altri due brani della coppia presenti nell’album: “Ladro” e “Hey ragazzo”. Le due canzoni potrebbero anche raccontare la stessa storia vista da due angolazioni diverse (tipo “Le tre verità”, ma è un’idea mia, non ci sono confereme in questo senso), in ogni caso si tratta di due episodi decisamente minori sia nella produzione del gruppo che in quella della mitica coppia. Del primo però è da rimarcare l’arrangiamento psichedelico cui contribuiscono l’uso di sitar (Vandelli) e tabla (Cantarella) che ritroveremo in “Tutto è solo colore” e in “Intermission riff” che sicuramente psichedelica non è: si tratta della rielaborazione di un tema jazz di Stan Kenton adottata poi come sigla del programma giornalistico Tv Sette. Curiosa scelta per un gruppo beat rivolgersi al jazz, ma tant’è…

Mi accorgo che non sto seguendo affatto la scaletta dell’album, eppure bisognerebbe: il disco appare infatti come un blocco sonoro quasi ininterrotto. Come accennato più su, ogni brano ha una sorta di coda orchestrale (a cura dell’orchestra della Scala) che la unisce al brano successivo. Non che queste code abbiano particolarmente senso, quasi mai riprendono o sviluppano la melodia della canzone, ma rappresentano comunque una novità assoluta nella discografia italiana. E fanno di questo album un tentativo di costituire non solo una raccolta di successi – cosa usuale per l’epoca, come si diceva all’inizio - ma un’opera concepita nella sua interezza come sarebbe stato dagli anni ’70 in poi. Tanto più che l’uso dell’orchestra e di strumenti classici caratterizza fortemente il lavoro, anche perché, per un gruppo beat, del tutto inaspettati.

Chi del resto aveva sentito, in una canzone pop, usare i legni come in “Un angelo blu”? Confesso di avere sempre avuto un debole per la cover di “I Can't Let Maggie Go” degli Honeybus e proprio per questi sorprendenti clarini, oboe e fagotti. Ok, l’idea non era originale, i legni erano già presenti nel brano inglese, ma nella versione degli Honeybus c’era un solo oboe e l’intuizione era, come dire, meno “sfruttata”, meno “evidenziata”: qui invece caratterizza decisamente il brano. Ben fatto!

E già che parliamo di cover, eccone altre tre: la prima è “Nella terra dei sogni”, cover di “Land Of Make Believe” degli Easybeats, scritta, tra gli altri, da George Young, fratello maggiore di Angus e Malcolm Young poi negli AC/DC, la seconda è “Un anno” (dalla più nobile “No Face No Name No Number” dei Traffic pre-“John Barleycorn”), la terza “Tutto è solo colore” (“Every Little Bit Hurts” degli Small Faces). Delle tre, giustamente, l’unica che si ricorda è “Un anno” anche se penalizzata da un arrangiamento che rinuncia completamente all’eterea delicatezza dell’originale. Le altre sanno molto di riempitivo. Magari non è così, ma quella è l’impressione.

Mancano 2 canzoni all’appello: si tratta di due brani scritti dal primo chitarrista del gruppo (quando ancora si chiamava I Gatti, vabbè la storia è un po’ più complicata ma qui non è il caso…), poi partito militare e, al ritorno, deciso a darsi alla carriera solista: Francesco Guccini. “È dall'amore che nasce l'uomo” (lato B di “29 settembre”) e la meno nota “Per un attimo di tempo”, sono entrambe canzoni in cui Guccini (che non le firma per questioni di mancata iscrizione SIAE) prosegue un discorso folk-beat di stampo americano più che inglese, già iniziato con “L’antisociale” o “Auschwitz” già precedentemente recapitate a Vandelli. Niente di memorabile, ma, per il cantautore, l’inizio di una strada che poi l’avrebbe portato lontano. Quella dell’equipe, invece, si sarebbe impantanata di lì a poco finendo per disperdersi, con il nuovo decennio, tra dischi rinunciabili, vicissitudini giudiziarie, cambi di formazione e di nome, addii e ritorni.
Ma questa è un’altra storia.
Voto 7/10
Lucio Mazzi

ODERSO RUBINI, ANDREA TINTI - Non disperdetevi - Shake ed. - 2009

2010-01-21T11:35:00.002+01:00

Il rock bolognese ha qualcosa di leggendario. La cosa è riconosciuta anche nel resto d'Italia. Soprattutto per quello che riguarda il crucialissimo periodo che va dal 1977 al 1982 (più o meno). A raccontare quel momento straordinario del quale, poi, il rock rappresenta solo una delle mille facce ci hanno provato in tanti, ma niente quanto questo libro può dare l'idea di cosa sia veramente successo in quegli anni in cui politica, fumetto, musica, arte, letteratura, droga, violenza, ribellione, punk, Dams, conservatorio, ecc. resero esplosiva (e il termine non ha un'accezione necessariamente negativa) la vita di quegli anni sotto i portici.

Perchè in "Non disperdetevi" Oderso Rubini e Andrea Tinti non si producono in analisi del fenomeno, non danno libero sfogo ai propri ricordi, ma semplicemente mettono un microfono sotto il naso di tutti o quasi i protagonisti di quel periodo.

Quasi 400 pagine di interviste a Freak Antoni, Pino Cacucci, Claudio Lolli, Carlo Lucarelli, Luca Carboni, Filippo Scozzari, Walter Vitali, Red Ronnie, Igort, e decine di altri a formare un mosaico che alla fine dà l'idea precisa di quanto sia realmente successo. Che è molto ed importante e, purtroppo, irripetuto. Non trae conclusioni, alla fine, ma fornisce tutti gli elementi per poterlo fare. Ognuno per proprio conto

Il libro era già stato pubblicato alcuni anni fa da Arcana, ora la nuova edizione presenta altre nuove interviste. Una ragione di più per averlo, se lo si è perso allora.
Voto 7/10
Lucio Mazzi

ENRICO CASARINI - Insieme Mina Battisti - Coniglio ed. - 2009

2010-01-21T08:42:00.004+01:00

La sera del 23 aprile 1972 a Teatro 10, leggendario varietà tv dell’epoca, si svolge uno duetto rimasto storico nella vicenda secolare della canzone italiana: un duetto, unico e irripetuto, tra Lucio Battisti e Mina. Questo bellissimo libro di Enrico Casarini parla di questo duetto. 370 pagine per parlare di quei pochi minuti

Sembra una roba maniacale (lo è: ci ha messo le mani anche il maniaco per eccellenza della storia rock: Franco Zanetti), ma chiaramente quel momento musicale è solo la scusa per parlare della trasmissione, e di quello che le stava intorno: la tv di quegli anni. E di quello che stava intorno alla tv di quegli anni: l’Italia di quegli anni.

Così chi ama i retroscena, i dietro le quinte e soprattutto Mina e Battisti, da questo libro avrà tutto ciò che di quel duetto c’è da sapere (come e perchè sia nato, quali musicisti vi abbiano partecipato, cosa ne pensarono Mina e Battisti...), tutti gli altri avranno modo di ripercorrere un periodo assolutamente cruciale per la vita di un’Italia che si stava risvegliando a sberle dal boom economico e dai favolosi anni ‘60.

Voto 8/10

Lucio Mazzi

CONFUSIONAL QUARTET - Made in Italy 1978-1982 - 2009

2010-01-21T08:34:00.002+01:00

Ho odiato subito l'ondata punk che sconvolse Bologna nel 1977. Venivo dal progressive, adoravo i Genesis, i Gentle Giant, non potevo concepire si andasse sul palco senza saper suonare urlando quattro boiate nel microfono accompagnati da un rumore.

Due soli gruppi di quella ventata mi piacevano: i Naphta e i Confusional Quartet. Niente a che vedere col punk, moltissimo con idee comunque nuove, brillanti, sconvolte, lucidissime, geniali, pure al servizio di grande tecnica strumentale. Allora si poteva dire qualcosa di nuovo che non fosse (alle mie orecchie) solo rumore.

Oderso Rubini, storico discografico dell'epoca, ora ripropone una riedizione su cd (bella confezione in busta con tre copertine dieverse) dell'opera omnia dei Confusional, iniziativa meritoria che nulla ha a che fare con l'archeologia (o tantomeno col revival), e moltissimo con il legittimo orgoglio di chi, all'epoca, mise mani a materiale che poco e da pochi fu capito.

Perché ascoltati oggi (30 anni dopo!!!!!) su questi brani di polvere non se n'è mica posata. Il loro misto di suonini, glinch, zaffate jazzrock, rumori, voci, chitarrine, tastierine fastidiose, controtempi, sberleffi e pernacchie potreste farlo passare come inciso ieri da qualche gruppo post rock. Quindi o la musica è andata indietro o loro erano troppo avanti. Peccato solo che orami quella storia si sia conclusa da moltissimi anni e quello che ascoltate qui è tutto quello che di loro potete ascoltare e che ascolterete mai. Se non lo trovate, provate a vedere su www.astroman.it

voto 8/10

Lucio Mazzi

ELO - Out of the blue - 1977

2010-01-21T08:30:00.003+01:00

Era durissimo negli anni '70 fare del pop. Potevi scrivere dei piccoli capolavori di semplice genialità, ma la critica "impegnata" dell'epoca con te non aveva pietà: il pubblico, oltre tutto, non gliel'avrebbe mai permesso. Figurati poi in piena epoca punk!

Così, dell'Orchestra della Luce Elettrica proprio era impossibile parlare in termini entusiastici. Cosa che invece avrebbe meritato un disco come questo (in origine doppio, ma singolo in cd)."Out Of The Blue" è per gli ELO quello che "Pet Sound" è per i Beach Boys (per un attimo ho avuto la tentazione di tirare fuori anche "Sgt Pepper", ma meglio non scatenare cataclismi), tuttavia "Pet Sound" è sempre stato considerato un capolavoro, di "Out Of The Blue" non si è mai parlato più di tanto.

Tuttavia è estremamente raro trovare nella storia del rock (usiamo questo termine nella sua accezione più ampia) un disco che, innanzi tutto, racchiuda una tale quantità di linee melodiche geniali.

Perché, insomma, se la bellezza, la forza, di una canzone sta anche (sarei tentato di dire: soprattutto) nella felicità della sua melodia, almeno una decina di queste 17 canzoni sono capolavori assoluti . Poi vengono gli arrangiamenti brillantissimi e le piccole grandi idee nella produzione. Per rimanere in ambito pop, in una canzone come "Mr. Blue Sky", solo per citarne una, ci sono più idee che in un intero disco di una qualsiasi boyband degli ultimi 10 anni: non ci vuole poi molto (mi direte) ma è così. Nessun gruppo ha più usato in maniera tanto perfetta le voci (e non c'è boyband - ancora! - che non ci abbia provato), nessuno in maniera tanto funzionale l'orchestra.

E poi c'èJeff Lynn, autore di musiche, testi, arrangiamenti e insomma qualsiasi cosa ascoltiate uscire dalle casse, è in credito (e quanto!) con i soloni e gli sputasentenze del rock: è un genio musicale riconosciuto solo raramente (ascoltate il suo brillantissimo e riconoscibilissimo lavoro in "Cloud Nine" di George Harrison o nel progetto Travelling Wilburys) e a cui il mondo del rock (e il suo pubblico) avrebbe dovuto molto di più. A meno che non conosciate un'altra canzone in grado di sollevare tanta polvere del deserto quanto l'incantevole "Wild West Hero".

Voto: 9/10

Lucio Mazzi

TRAFFIC - John Barleycorn must die - 1970

2010-01-20T16:52:00.003+01:00

Inauguriamo questo blog parlando dei Traffic.

Perchè proprio i Traffic?
Per nessun motivo. Mi è venuto in mente questo disco. Ecco tutto

E per parlare dei Traffic bisognerebbe iniziare da un musicista fantastico come Steve Winwood. Pluristrumentista e ottimo compositore, a quindici (15!) anni aveva fatto le fortune dello Spencer Davis Group con hit immortali come "Gimme some lovin'" o "I'ma a man" e a 17, lasciato con una mossa a sorpresa lo Spencer all'apice del successo, aveva fondato i Traffic. I primi Traffic, quelli del periodo 1967-1969, pasticciavano in maniera geniale con folk, psichedelia, rock e blues, una miscela che aveva procurato credito e un discreto successo, ma alla fine del decennio, con un altro colpo di testa, Winwood aveva fatto di nuovo le valige.

Ed eccoci al 1970: Winwood decide di registrare il primo album solista, chiama un po' di vecchi amici (gli ex Traffic Chris Wood e Jim Capaldi, innanzi tutto) e inizia a buttare giù un po' di cose per un album intitolato "Mad shadows".

Poi, ad un certo punto, si deve essere guardato intorno accorgendosi della cosa più evidente: la band che stava dando vita a brani che sarebbero rimasti nella storia del rock (anche se questo ancora non lo sapeva), altro non era che i vecchi Traffic. E allora, quello che doveva essere il primo album da solista di Winwood divenne semplicemente l'album del ritorno di uno dei gruppi più interessanti, stimolanti e creativi degli anni '70: "John Barleycorn must die".

Anche se l'album finì quindi per essere accreditato al gruppo è innegabile che la personalità di Winwood lo domini dall'inizio alla fine. Steve suona molti strumenti, si occupa delle parti cantate e firma tutti i brani. Brani che fondono meravigliosamente soul e folk, tentazioni jazzistiche e reminiscenze beat, scovando chissà dove line melodiche, riff e ritmi in grado di incollarsi per sempre alla menti di chi ascolta (non a casa l'album fornì materiale per migliaia di sigle, stacchi, e jingles).

Alla sua uscita, nel 1970, si parlò di progressive, del resto il periodo era quello, ma siamo molto lontani dalle atmosfere sognanti e fiabesche dei primi Genesis, dei Gentle Giant o dei King Crimson: qui la musica è saldamente ancorata a terra, è carnale, concreta, sfugge a qualsiasi leziosità, in alcuni casi il suono è volutamente (ed efficacemente) sobrio (si ascolti la celeberrima ballata "John Barleycorn").

Tuttavia l'album può essere considerato un disco di rock progressivo, se con questa definizione si intende una musica che sfugga a particolari schemi e a sintassi precostituite, una musica in grado di mettere in imbarazzo qualsiasi negoziante di dischi nel momento di sceglierle uno scaffale. Jazz? Jazzrock? Rock? Folkrock? Soul bianco? Va a sapere... Quello che gli anni successivi avrebbero fatto capire è che in questo disco Winwood era comunque riuscito a raggiungere la quadratura del cerchio del proprio mondo musicale e che la sua musica non sarebbe mai stata più grande di così. I Traffic vivranno alcuni altri momenti di alto livello (in particolare l'ottimo canto del cigno di "When the eagle fly") ma, dopo, Winwood finirà per logorare gradatamente un talento immenso forse sbocciato troppo presto e troppo presto sfumato.
Voto 9
Lucio Mazzi